Camille A. Brown & Dancers i 'Mr. TOL E. RancE '. Foto av Christopher Duggan. Joyce Theatre, New York, NY.
10 november 2019.
Det kan vara riktigt slående att luta sig tillbaka och reflektera över hur den amerikanska popkulturen utvecklades. Intressant är att så mycket av det härrör från traditionerna hos de som fördrivits genom den afrikanska diasporan. Hjärtskärande var det samma människor som den amerikanska kulturen förtryckte, förtryckte och avhumaniserades. Vad som också är häpnadsväckande är hur mycket glädje, tacksamhet och kärlek som ligger inom dessa kulturprodukter - från dans till musik till poesi till visuell konst - även inför en sådan underkastelse (och de strider som resulterade).
Genom rörelse, musik, teatervignetter och projektionsdesign, Camille A. Brown & Dancers '' Herr. TOL E. RancE erbjöd denna typ av ljus och glädje, om det vid andra tillfällen skenade ljus på de hårdare sanningarna i detta lands rashistoria. Det kändes som en del ode till 20thårhundradets “svarta” kultur, och även en del upprörande uttalande om Amerikas förflutnas (och sanningsenligt närvarande) synder med avseende på ras.
Livlighet var närvarande och tydligt från showens öppnande. Dansare flyttade tillsammans i en stor grupp och byggde en känsla av gemenskap. De bar fedoror, gammaldags sneakers och byxor med hängslen - vilket skapade en cool Urkle-vibe (en icke-nördig version av den älskade Fresh Prince i Bel Air karaktär, ska vi säga). En live pianist (Scott Patterson, även kompositören) följde dem. Snart samlades de i en halvcirkel, dansaren i mitten visade sina 'drag' till gruppen (skapade ett slags 'cypher', vanligt i hiphopdansvärlden).
En gjorde 'masken', en annan hoppade ett ben men den andra medan den höll i den (ett imponerande 'b-boy' / 'b-girl' trick), och en annan ledde genom lederna och gick - en jämn, flytande form av ' animation ”dansform. Mycket av detta verkade som guidad improvisation, ett tillvägagångssätt som - när det görs rätt - kan erbjuda en klargörande struktur samtidigt som dansare kan röra sig på ett sätt som är mest naturligt för dem (och därmed är de den starkaste dansen).
Snart gick tal med i rörelse och musik för att få in ännu mer glädje och kul. Dansare räknade ”5,6,7,8!” och sa saker som 'Ät upp det!' och “Halleluja!” Jag hörde klappar och skratt från publiken. Mindre grupper kom in och utförde (till synes) uppsatt koreografi som visade Browns unikt övertygande och glädjande ordförråd. Till exempel utförde en trio livligt fotarbete och flyttade sedan sin torso fram och tillbaka - två dansare rörde sig i motsatt riktning mot varandra. Denna rörelse var tillfredsställande och minnesvärd både för sin energiska kvalitet och dess estetiska.
john hilinski nettoförmögenhet
Ett annat viktigt inslag i verket - dess estetik, dess tillvägagångssätt, dess betydelse - kom snart i affischen för den ikoniska showen Diff’rent Strokes fyllde bakgrunden. Innan detta kom frasen ”Och tillsammans ska vi ha det bra”, som fick mig att andas djupare och le. Det kändes lugnande och lugnande. Snart kom Amos och Andy affisch, och därefter den av Jeffersons . Affischen för Fresh Prince i Bel Air fyllde bakgrunden nästa, och dansarna rappade den klassiska Will Smith-karaktärens rap.
Senare i arbetet frågade två dansare varandra, 'Wa'chu talkin '' bout, Willis?' i olika intonationer, för oss tillbaka till Diff’rent Strokes . Publiken (inklusive mig själv) skrattade åt dessa referenser och deras leverans. In i min egen livserfarenhet (som helt i mitten av årtusenden, kronologiskt sett), affischen för Black.ish fyllde scenen. Inte länge, elementet att hedra 20thårhundradets “svarta” kultur var tydligt nog för mig. Det kändes som en fascinerande retrospektiv, en som jag var glad att uppleva.
Medan mycket av rörelsen - och den allmänna atmosfären - var ganska energisk, gav långsammare stunder en lugnare, mer kontemplativ känsla. Jag undrade om fler av den typen av avsnitt tidigare i stycket skulle ge större känslomässig och atmosfärisk balans. Men om Brown gick efter mer av den livliga, optimistiska atmosfären, var det kanske inte målet (legitimt, med rätta).
ty pennington höjd
En av de långsammare sektionerna kom efter en sektion av särskilt högenergirörelse (knäna stiger upp mot bröstet och snurrar till golvet med stigande rygg upp igen). Ljus bleknade till blått och pianomusiken saktade, noterna förlängdes och sänkte. En solist rörde sig med samma känsla av kontemplation och undersökte möjligheterna till rörelsens nyans inom individuella lemmar. Hon lyfte armarna åt sidan och rörde sig genom dem till andra delar av kroppen, kretsade handleder och krusade genom armbågarna i axlar och överkropp. Denna rörelse kändes tankeväckande och autentisk.
Detta avsnitt kom innan en röd gardin föll ner på bakgrunden och påminde om klassiska tecknade serier (vad jag kan komma ihåg från min barndom som bakom Bugs Bunny som säger 'Guup, guup guup, det är allt folk!'). Mr. Jefferson sprang ut huvudet och fick publiken att skratta. ”Act II - Change the joke, slip the ok” dök upp över bakgrunden i kursivt skrivande. När man tittar närmare på programmet inkluderade Brown ett citat som kopplades till denna titel. Det pekade på marginalisering och beroende av de mer kraftfulla.
När jag läste detta blev jag bedrövad och nedslagen över att tänka på att afroamerikansk kultur tillägnades sig och alltför ofta 'skämtens skott', så att säga, medan (för det mesta) kraftfulla vita män på 20thårhundradets underhållning gynnades av ökande pengar och makt. Särskilt som en som har skördat fördelarna med vita privilegier (och kommer att fortsätta att göra det), är det viktigt för människor som jag att tänkas tänka på dessa historiska fel. Då kan vi vara bättre allierade i kampen för att eliminera hur de fortsätter att manifestera och skada de marginaliserade i nutid och framtid.
Brown själv tog scenen efter detta skifte till en andra akt. Publiken applåderade när de såg henne. En lockande synkopation rörde sig genom hennes leder, en musikalitet som var nervös men ändå exakt. Hon utstrålade ett lugnt självförtroende och tycktes inte ha något att bevisa. Andra dansare gick snart med henne, med vita handskar och gester energiskt. Detta val hänvisade till popkulturskildringar av färgade människor i media. Oroligheten i rörelsen och den allmänna atmosfären pekade på smärtan bakom, och som ibland härrör från dessa framställningar.
En gameshow tog nästa steg (med en titel som jag som vit person inte känner att jag kan skriva ska jag bara säga). Komiskt, skarpt, meningsfullt, höll det en spegel för de problematiska sätten att färgade människor representeras i media. Under hela det var dansarna och designen (som den ljusa bakgrunden och användningen av gula papper som rekvisita) livliga och självsäkra. Ändå var de uttalade orden fördömande och förskräckande.
En långsammare, mer reflekterande sektion följde, en solist som rörde sig med tyngd och agitation. Bakom honom var projektion av en dansare som liknade honom, klädd på samma sätt och rör sig på samma sätt, men ändå varierade tider och kvaliteter. Det fanns ett mellanrum mellan vad som hände framför oss, i köttet och vad som hände på skärmen. Det utrymmet tycktes orsaka konflikt för den person som befinner sig och rör sig i realtid. Brown och hanskade dansare återvände snart och visade sig bakom bakgrunden när den steg upp. Patterson spelade Louis Armstrongs 'What a Wonderful World' på piano. Även om dansarna rörde sig med samma intensitet var det en ny lugn och kontemplativ återspegling av låten.
En efter en föll dansarna till marken och lämnade Brown stående. Gardinen föll. Jag satt kvar med en känsla av mysterium och osäkerhet om framtiden. Arbetet som slutade med den hoppfulla låten gjorde också intryck på mig att jag sjöng det för mig själv när jag gick ut ur teatern. Trots förtryck och dess bestående effekter fanns glädje och nåd. Det är ett djupgående resultat, ett som adeptly-skapad, adeptly presenterad danskonst kan illustrera.
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
