Kimberly Marie Olivier och Sean Bennett i Yuri Possokhovs 'simmare'. Foto av Erik Tomasson. 4-24 mars 2021.
Tillgänglig via www.sfballet.org/sf-ballet-home .
inka williams ålder
Nästan alla dansartister har upplevelsen av en dans verkligen blir vad det är under 'tech-veckan' - när ljus, projektioner, kostymer och musik som resonerar genom ett föreställningsrum verkligen får ett verk att leva till liv. Val av färg och form kan förbättra betydelsen och upplevelsen av att se ett verk, eller de kan ge distraktion och förvirring. En estetik av ett dansverk kan bygga upp en atmosfär som drar publiken in, eller en som helt enkelt är splittrad. San Francisco balett Digital Film 03, i sitt virtuella SF Ballet @ Home-program, illustrerade kraften och vikten av att skapa en tydlig estetik och atmosfär. Programmet innehöll två pre-COVID-föreställningar, filmade på War Memorial Opera House i San Francisco och en filmpremiär.
Alexei Ratmansky's Symfoni # 9 , som San Francisco Ballet först dansade i april 2014, öppnade programmet. Virtuositet och dynamik fyllde luften från första ton och steg. En robust instrumentpartitur (av Dmitri Shostakovich) drev snabba små hopp, förlängningar och svängar. Allt var ganska nyklassicistiskt, men för jazzy gestus blomstrar - symboliskt för en 'post-postmodern' öppenhet för inspiration från andra dansformer. Bakgrunden av blekande blått (från George Tsypin) och sammetslen kostymer, i nyanser som verkar inspireras av färgerna i en skog (från Keso Dekker), bundna av ett modernt omslag runt nuet av den nyklassiska rörelsen. I balanchiansk mening, även när social dynamik uppstod, fanns det ingen berättelse i spel förutom föreningen av musik och rörelse.
San Francisco Ballet i Alexei Ratmanskys 'Symphony # 9'. Foto av Erik Tomasson.
En drastisk förändring av tempot, till något mycket mer adagio och mystiskt, förde rörelse som var mer jordad, utforskande snarare än högljudd. En pas de deux i detta avsnitt hade komplexa hissar men också stunder av enkel svängning med en tydlig port de bras och en tung paus. Korpsmedlemmar sprang in genom vingarna, port de bras påminde om att simma genom luften - som de skiftade till passés innan deras partners gick med dem för en hiss.
Precis som den enkla vändningen och portbras från föregående pas de deux var det ett tydligt motiv - en som byggde en känsla av kontinuitet och cirkularitet. Det kanske inte har funnits en ”berättelse” i sig, men publikmedlemmar som helhet kunde identifiera sig med en känsla av att gå igenom med till synes lugn och ro - men ändå stanna kvar på samma plats igen, medan en luft av något som inte riktigt stannade kvar. Vår fantasi kan skapa våra egna berättelser inom dessa strukturer. Det kan vara den roliga och meningsfulla delen.
Delvis kom ljusen ned och två dansare (en ballerina och en dansare) smälte långsamt till marken tills de låg på ryggen. En bakgrund av silhuetter av människor som hade röda flaggor var synlig när ljus kom upp igen. Jag förstod inte helt detta kreativa val och föredrog de öppna möjligheterna med den bleka blå bakgrunden som vi sett tidigare i verket.
Eftersom folket på ritningarna tycktes passa modellen för 'respektabla, välbärgade' människor i samhället, var det kanske en kommentar till överensstämmelse och att leva ett liv som föreskrivs för dig. Känslan av att komma tillbaka till samma plats igen skulle stämma överens med det temat. Det kan också vara roligt för vår fantasi att förutse möjligheter inom kreativa val som vi inte riktigt förstår! Ändå förblev rörelsen sprudlande och spännande, med utmärkta föreställningar från San Francisco Ballets toppartister.
Energin crescenderade mot slutet och tog tillbaka motiv med ett snabbare tempo samtidigt som nya ingredienser tillfördes i mixen. När lamporna gick ner hoppade kåren till scenen och en ensam dansare förblev i centrum (Wei Wang) - hoppade högt och snurrade snabbt. Som ett mycket spännande val verkade detta fokusera tillbaka på individuell upplevelse. Detta slut kan tolkas som ett påstående att det är vad det handlar om - hur vi var och en upplever var och en för sig världen. Frånvaro djupare analyser var allt behagligt att uppleva.
San Francisco Ballet i 'Wooden Dimes'. Foto med tillstånd av San Francisco Ballet.
Trä Dimes var programmet världspremiär . Christopher Dennis fungerade som verkställande producent, Lindsay Gauthier som redaktör och Heath Orchard som fotografchef.
Besättningen vid någon speciell tidpunkt verkade inte särskilt stor, så det är tänkbart att dansarna filmade avmaskerade i ”pods” (som film och tv har gjort i flera månader). Öppnar med showgirls i omklädningsrummet, det hade en tydlig och övertygande 1920-talets atmosfär . Spänning och kamratskap fyllde luften. En man kom in (Luke Ingham) och ledde in i en passionerad, graciös pas de deux med en av ballerinorna (Sarah Van Patten), som blev en central karaktär.
Rörelsen var till stor del klassisk, men jazzy böjningar hyllade kontexten. Nästa scen porträtterade Inghams karaktär till synes på jobbet, dunkande och utropande med sin kropp. Män i bokföringssköldar cirklade runt honom, som om de gjorde hans bud - eller krävde de saker från honom? Genom att byta perspektiv därifrån uppträdde showgirls glatt. Van Patten karaktär differentierades med svarta ränder på hennes vita klänning medan alla andra dansare hade helt vitt (kostymdesign av Emma Kingsbury). Alla scener tycktes ha filmats på en stor teaters scen, linjerna mellan Marley-bitarna synliga. Det valet gav en spartansk känsla som kände sig stödjande för det övergripande arbetet (sceniska egenskaper design av Alexander V. Nichols, ljusdesign av Jim French och Matthew Stoupe).
Van Patten karaktär dansade med ett mystiskt par (Madison Keesler och Nathaniel Ramirez). En pas de deux från dansare i rött och svart följde, med lägre belysning och poängen blev lägre och skarpare i tonen. Detta par verkade vara frestande för den första mannen vi träffade, den första som vår huvudperson hade dansat med, med något olyckligt. De slog honom och manipulerade hans kropp. Linjerna mellan fantasi och verklighet verkade helt suddiga. En sammanhängande estetik, i kombination med smart koreografi, gjorde denna berättelse tydlig men också flexibel öppen för tolkning. Vår hjältinna dansade igen nästa, hennes klänning den här gången med färgade ränder. Hon verkade glad, även om den var fundersam. Något hade skiftat!
Hon dansade med andedräkt och expansion, en arabesk höll i bara ett halvt andetag längre med potential att spänna och stärka. Återigen klädd i en klänning med många mönster (förändras till vilket tycktes innebära övergång av slag), återvände Inghams karaktär. De sammanflätade, delade vikten - var denna inlösen? De dansade igen med passion och nåd, precis som de gjorde tidigare, men en ny resonans fyllde luften mellan dem. Utmaningar för banden mellan oss kan ge dessa banden nya vibrationer, för gott eller ont.
Allt blev tyst mot slutet, och allt som var hörbart var ljudet av hjältinnans andedräkt. Ljus bleknade långsamt. Många avslutningar på dansverk känner sig rusade, utan att resterna av den känslomässiga vikten av det som just hände har haft tid att dröja kvar. Inte så med detta slut. I överensstämmelse med den gamla filmen kände 'The End' över skärmen. Den återstoden dröjde kvar i mig, tillsammans med många frågor - med konst, ofta mer meningsfull än att ha svar.
Joseph Walsh i Yuri Possokhovs 'simmare'. Foto av Erik Tomasson.
nats getty ålder
Simmare , premiär på War Memorial Opera Scene i april 2015, var en visuell utforskning med Busby Berkeley-esque surrealistiska bilder. Yuri Possokhov koreograferade verket. Naturskön design var från Alexander V. Nichols och videodesign från Kate Duhamel. Från 9-5 arbetsdag till poolen rekreation, rörelse förmedlade mulling om kontoret, simma fritt och flirta vid poolen.
Rörliga projektioner virvlade bakom dansarna hela tiden - något som ses mycket oftare i samtida dans än i balett. Det var tillfredsställande visuellt godis, men ett godis med en oväntad smak som du inte riktigt kan placera. ”Simmaren” (Joseph Walsh) förkroppsog emellertid fri rörlighet genom vatten och luft. Han hade härlig ballon och musikalitet, och sträckte sig med energi långt förbi sina extremiteter men också med ett tydligt och kraftfullt energicentrum.
Utöver honom blomstrar för karaktärisering och för att förmedla specifik handling i kroppen återupplivas en tydlig och solid klassisk rörelsebas. En avdelning för pas de deux, till synes i ett sammanhang för möten för drycker i en bar, kändes lite på sin plats strukturellt men ändå vackert koreograferad och dansad. Spänning och passion var tydliga genom push / pull-dynamik och expansivitet i rörelse.
En senare sektion i verket, med en stor danseurkorps, hade flera möjligheter till mening - turbulensen att bli äldre, en storm (inom det större nautiska temat som finns i arbetet) eller något annat? Oavsett innebörden var atletiska liftar och kraftfulla steg spännande. ”Simmaren” höll armarna över bröstet, som om han skakade - ändå dansade han stort och djärvt igen. Häpnadsväckande ljuseffekter fick honom att se ut som om han simmade djupt och placerade mot varandra utsprång av en man som simmade mitt i hårda vågor.
Gardinen tappade när det fortsatte - säkert ett öppet slut! Man kan föreställa sig olika möjligheter för vad som kan hända nästa, men det som kändes mer meningsfullt med detta arbete var den visuella möjligheten och den rena kraften i människokroppen. Medan aspekter av arbetet kändes oklara, var det en ren fest för ögonen och berättande potential för hjärnan att tugga på. Ibland kan djärva experimentering kosta tydligheten i konsttillverkningen. Konst kan inte gå framåt utan det djärva experimentet, så var det, säger den här granskaren. Brava till San Francisco Ballet för att ta chanser och påminna publiken om hur mycket kreativa möjligheter som finns där för att ta - global pandemi eller inte.
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
