Amy Foleys 'Waiting'. Foto av Mickey West Photography. Boston University Dance Theatre, Boston, Massachusetts.
25 januari 2020.
Koncept - det kan skilja danskonst från rörelse, göra det relevant och göra det riktigt 'hit home' med publikmedlemmar. Malden, MA-baserade Onstage Dance Company, ett välkomnande hem för hektiska proffs som vill fortsätta dansa efter sina studio- och college-dansdagar, presenterar alltid välgjorda och roliga shower. Ändå, i företagets säsong 18 Performance, närvaron av särskilt gripande och minnesvärda koncept sticker ut för mig. Det påminde mig om hur kraftfullt ett uppfinningsrikt eller meningsfullt koncept, flyttat ut med hängivenhet och omsorg, verkligen kan vara.
Det allra första stycket, Michelle Block Upp och ner , började denna trend med sofistikerade, roliga koncept. Dansare började i silhuett, upplyst bakifrån, i två rader. Ljus kom fram för att avslöja mycket mer färg, gröna och lila klänningar med en belysningspalett som passar.
Block uppmanade till att ha dessa två färggrupper på estetiskt spännande sätt, såsom partnerskap med en dansare som bär en färg och en annan dansare som bär den andra, väver och växlar dansare som bär de två färgerna och delar dem på sidorna av scenen. Detta var ett namnlöst, men ändå tydligt synligt koncept inom verket. En annan namngavs faktiskt, i titeln inverterade dansarna fysiskt sig själva och varandra i partnerskap. Båda dessa begrepp spelade övertygande dualitet - upp eller ner, en eller annan färg.
Medan dessa binärer var tydliga, var det som också väckte mitt intresse de utrymmen och tider då vi såg gråtoner mellan de två ändarna av spektrumet - halvvägs till upp och ner, kropp parallellt med golvet eller när färgerna blandades inuti en grupp. Dansarna utförde allt med engagemang och tekniskt kommando. Visuellt och mentalt fanns det så mycket att tugga på. Kort sagt var det bara roligt att ta in.
Teresa Fardella Förlist kom nästa. Det gav en annan känsla - mörkare, mer mystisk, mer reflekterande. En pianospårning med lockande sång började införa denna atmosfär, och benvita klänningar - med känslan av ett tomt tillstånd - byggde den vidare. Belysningen var låg men blev ljusare när biten utvecklades. På samma sätt ökade rörelsen lite och blev lättare i energi när biten fortsatte. Små hopp och större språng gav en känsla av flygning till denna ökade energi.
En annan utveckling var dansare som gick in i svarta klänningar - vilket gav en kontrast mellan två separata grupper, som Block hade gjort. I detta stycke tjänade detta val till att förstärka en känsla av att söka, söka efter en motsats, efter något utanför det kända. Lägga till detta var ofta att flytta till andra nivåer i rymden och platser i rymden (scenrummet som är). Från det sätt som dansare släktade - cirklande, duckande, närmade sig men sedan med säkerhet borta - tänkte jag på detta 'förlorade till havs' som en separation från sann mänsklig koppling, förlorad i livets turbulenta hav.
Det skulle kräva klarhet och avsikt i rörelsen för att rörelsen skulle få en sådan tolkning, och artisterna levererade. En balletisk / lyrisk stil tillförde en nåd och formalism som mjukade kanten på allt detta. Till slut pausade dansarna och verkade för första gången verkligen se varandra. Hittades de? Det skulle vara för publiken att själva bestämma. Det är en underbar sak för vilken konst kan rymma.
varför är david muir gift
Avsluta lagen var Jennifer Kuhnbergs Angel by the Wings . Varje del av det främjade begreppet vägledande änglar i våra liv. Till att börja med var scenen bakgrundsbelyst för att skapa en silhuetteffekt. Klädstreck draperade med vita kläder skapade bilder av ängelvingar, och dansare hade bildat en tablå precis nedanför. Ljus dök upp för att avslöja dansarna helt upplysta, i dräkter som var graciöst flytande och vita. Belysning skapade skuggor med eterisk känsla. När verket utvecklades blev en känsla av harmoni tydlig - även genom olika formationer och sätt för dansare som var med varandra (i kanon, i samförstånd, i sin egen rörelse).
Partnerskap, i en mjuk och släppt samtida kvalitet, gav en känsla av stöd. Dansare rullade över en partners höft för att landa i djupa, jordade lungor eller för att flytta sin fart till en vändning. Det skedde en hel del aktivitet på scenen, men det var allt väldigt visuellt organiserat - att vara tillgängligt, övertygande och roligt. Dessa kvaliteter fortsatte till slutet - dansare skapade en tablå av olika nivåer och former, en vingform upplyst bakom dem. Det var verkligen något utomjordiskt och majestätiskt över det hela, något som fick mig att känna mig lugnare och fredligare bara från att uppleva det.
Willow Gertz's The Final Rose öppnade andra akten. Kurvlinjära bilder kopplade tillbaka till blommor, och ett rött / rosa färgschema gjorde det tydligare. Stark rörelse med en klar nåd emulerade skönheten i en ros som ändå har skyddande törnen element som ett motiv av en cirklande arm förde mjukheten och skarpt geometriska formationer gav styrkan. Dansare anslöt i en kedjeform, snökade över scenen, men flyttade sedan in i en diagonal. De höll händer i ryggen och gick i en bunden kvalitet tills de rörde sig i smältande kvalitet. Dansare förde dessa egenskaper tydligt och övertygande. Denna kontrast av styrka och mjukhet, symbol för en ros - i rörelsens ordförråd, rörelsekvalitet och formationer - gav liv till ett spännande koncept och en helt enkelt trevlig klump av danskonst.
Senare i lagen kom ett annat verk från Kuhnberg, Game of Survival . En atmosfär av det vilda och all den farliga edginessen däri, var klar och spännande från början av stycket. Dansare bildade linjer och dansade sedan i dem, stora pinnar som tillförde ett jordningselement samt ett hörselankare (de slog rekvisita på scenen i samförstånd, uppmärksammade och bidrog till atmosfären). Vildheten var tydlig i den gröna och gula belysningen, ojämna klipp av kostymer i liknande färger och robust rörelse.
Texterna ”the game of survival” ringde genom teatern, och allt kom tillsammans för mig. Olika grupper av dem rörde sig på sätt som fick mig att ifrågasätta vem som var jägare och vem som var byte - cirklande, lungande, doppade ovanför och under. Kuhnbergs rörelsevokabulär blev lika vågat och ihärdigt som det vilda hon skildrade dansare gled på en höft, rullade över andra dansares axlar och hoppade över andra dansare som låg på scenen.
Slutet fångade mig mest av allt, men dansare slog pinnarna i perfekt samstämmighet och lamporna slocknade - ett lockande samtal för att undra vad som kan komma nästa, bortom biten av stycket i den imaginära värld hon hade byggt, och helt enkelt en sann dra till sinnena. Att bygga ett koncept på ett smart sätt genom ett dansverk kan ha en sådan effekt, och Onstage Dance Company berömvärt levererade där i sin säsong 18 Performance.
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
