Hana Kozuka. Foto av Richie Babitsky. 'Ingen vet vad' samtida ',' modern 'eller' jazz 'ens är mer.' Har du hört det förut? Den här författaren har. Hon kan till och med ha sagt det själv några gånger. Det kan vara en överdrift, men faktum kvarstår att många dansartister och lärare blandar sådana former och där skapar något nytt för sig. Förlorar vi integriteten och tydligheten hos klassiska, kodifierade tekniker som ett resultat - och sådan blandning ska därför göras med försiktighet och förbehåll? Å andra sidan, öppnar denna blandning av former utrymme för fruktbart samarbete - och därför uppmuntras de? För dem som bryr sig om blomningen av danskonst in i framtiden såväl som bevarandet av dess tradition, verkar detta vara saker som inte ska tas lätt på.
För att gräva i dessa frågor, Dance Informaspoke med fyra dansartister: Hana Kozuka, LA-baserad dansare / koreograf Bettina Mahoney, grundande chef för Fortitude Dance Productions och danspedagog Tracie Stanfield, grundande chef för NYC-baserad Synthesis Dance och Taylor McLean Bosch, konstnärlig ledare för Nitrogen: The Company och NYC / Long Island-baserad danspedagog. Låt oss hoppa direkt in!
Taylor McLean Bosch.
arthur mitchell dansare
Varför denna mängd olika stilar? Händer det en större påverkan i dansvärlden som ett resultat?
Stanfield tror att ”fusion av stilar (substilar) på ett sätt är en reflektion eller ett svar på den värld vi lever i. Vårt samhälle värderar mer än någonsin individualitet, personalisering och autonomi. Konstnärer begränsas inte av tidigare regler eller metodik. ” McLean Boschs tanke här är liknande. 'Alla försöker hitta sin röst', tänker hon. Kozuka konstaterar att denna spridning av stilar ger 'så många fler saker att smälta ihop.'
Å andra sidan beskriver Stanfield hur vi kan se den här trenden som en annan våg av spridning av stil / teknik som hände med tillväxten av Graham, Horton och Limón tekniker och repertoar - men med ”en viktig skillnad är att det inte finns någon officiell, definitiv grundläggande system för varje delstil eller teknik är det enbart beroende av koreografen / lärarnas värderingar och preferenser. ” Dessutom sker denna spridning nuförtiden på 'gatan, jazz och balettstilar, säger Stanfield. Till exempel har det blivit en blomning av klasser i understilar som 'samtida jazz', 'samtida fusion', 'samtida gata', 'samtida balett' och 'lyrisk jazz'.
Hana Kozuka. Foto av Peter Yesley.
Ändå identifierar och marknadsför vissa lärare sig inte med en konventionell stil som de undervisar utan i stället med sin egen rörelsestil / kvalitet och varumärke. I sin tur kan eleverna titta på lärarnas namn och varumärken snarare än stilar när de bestämmer vilka klasser de ska ta - som Kozuka intygar är hennes norm. 'Det är svårt att sätta en etikett på saker nuförtiden!' hon säger. Hon pekar på sociala medier som en drivkraft för denna trend att bygga ett varumärke. Som lärare tror McLean Bosch att hon har en unik stil och estetik, men ändå kommer att säga att hon är en 'samtida' lärare om det är vad arbetsgivare letar efter.
Det finns en spänning mellan konstnärens sätt att varumärke och dansbaserade företag, men Mahoney beskriver hur hon måste namnge vissa lärarkurser för sina konventioner, även om de inte gillar att deras stil 'kategoriseras'. 'Jag har ett företag och jag måste annonsera', hävdar hon. Genom att bekräfta den punkten pekar McLean Bosch på konventioner som förlorar affärer genom att inte erbjuda 'samtida' klasser. Samtidigt har tävlingar klassificerat hennes bitar som 'moderna' - när hon tror att hennes verk är mer 'samtida' än 'modernt'.
jenna justerar höjden
Är det ett problem? Är det bra? Är det båda? Vad är viktigt att tänka på när det gäller pedagogik, koreografi, branding?
Mahoney blir orolig när det gäller dansstudenter som har en bas av kodifierad teknik eller inte 'du kan inte gå' off-book 'om du inte har boken i första hand', hävdar hon. En del av detta viktiga införande av konventionella dansstilar hos unga studenter är undervisning i danshistoria - där dessa former kom från ett övergripande historiskt sammanhang. 'Då kan eleverna veta att samtida växte ut ur postmodern och postmodern av modern, till exempel', bekräftar Mahoney. Såvitt hon ser det, respekt för och behärskning av sådana former - och deras historiska arv - ger mycket starkare koreografi, performance, pedagogik och mer. Som det gamla ordspråket säger måste du känna till 'reglerna' innan du kan 'bryta dem'.
Bettina Mahoney.
Kozuka och McLean Bosch ser i slutändan denna trend av stilar som blandas och sprids som en bra sak, något som kan göra det möjligt för artister att hitta sina verkligaste kreativa röster och göra underbart arbete. Kozuka tycker att snarare än att känna som om vi måste lägga saker i 'lådor', är det i vår makt att skapa nya lådor. 'Om [nya stilar] klarar tidens test, kommer de att hålla fast - eller så kommer de inte', tänker hon. 'Det kommer bara att hända - nya stilar kommer att dyka upp och äldre genrer blir föråldrade', säger McLean Bosch.
Stanfield validerar upptäckten av sin egen rörelsestil 'även ingen regel är en regel.' Hon applåderar utrymmet för kreativitet och frihet och påpekar att innovation alltid medför rädsla för förändring (som ”grumblings from the [ubitquity] of mobiltelefoner.”). Till slut tror Mahoney att dansartister tar med sig sin egen rörelseshistoria, från de unika egenskaperna hos lärare och koreografer som de har studerat med och dansat för. Kozuka understryker också denna punkt. Att förkroppsliga, och därifrån vidare, stilistisk och teknisk arv verkar vara något att uppmuntra - eftersom det är hur dansfältet har vuxit till att bli vad det är.
lauren philip
Tracie Stanfield undervisning vid Broadway Dance Center.
Hur gör dansvärlden det bästa av denna trend?
Stanfield understryker dock utmaningen för dansare som allt detta kan skapa - att behöva träna i 'alla stilar'. 'När allt är viktigt är i slutändan ingenting viktigt.' hon tror. Därför verkar det vara nödvändigt med djupare samtal om vad som är möjligt och tillgängligt för dansare. När det gäller spänningar mellan dansundervisningskonstnärer och företagsägare, som de som McLean Bosch och Mahoney beskrev, kan en sådan ytterligare dialog kanske också hjälpa till där. Båda parterna kunde uttrycka sina behov och önskningar, och att hitta en gemensam grund skulle kunna ge en viss ömsesidig överenskommelse.
När det gäller Mahonys oro för dansartister med utgångspunkt från en grundläggande kodifierad teknik - teknisk behärskning och djup kontextuell kunskap om detta - kan danspedagoger utforma sina läroplaner för att först införa den grunden hos sina elever och sedan vägleda dem att förgrena sig till något mer eget. För Kozuka är det upp till varje artist att navigera i denna dynamik av stilistisk identitet med sin bästa bedömning, högsta integritet och fullständiga personliga äkthet. Det kommer att multipliceras utåt för att skapa en dansvärld som gör detsamma.
Stanfield tror att 'dansare dras till arbete som resonerar med dem ... vi drar till upplevelser och stilar som ger näring och utmanar oss.' Etiketter är inte nödvändigtvis lika meningsfulla för oss som för andra typer av människor, och vi kan föra flexibelt tänkande till olika situationer. Med gott omdöme, integritet, äkthet och flexibelt tänkande kan vi navigera i knepiga dynamiker - även de som är så knepiga som stilistisk identitet, personlig dansartistens varumärke, tradition kontra individualitet och liknande. Nu gör vi det!
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
