Pina Bauschs 'Vollmand'. Foto av Julieta Cervantes. Förra året övade jag för en show - en dansteateranpassning av en Tennessee Williams-pjäs - i en studio i centrala NYC. Senare samma dag fick jag ett mejl om att jag inte kunde öva teater i dansstudiorna. Jag skrev genast tillbaka ett passionerat svar som förklarade dansteaterens natur. Jag är först och främst en dansartist och det arbete jag gör är beroende av dans. Dessutom har teaterstudior ofta betonggolv, mindre utrymmen och är fyllda med stolar och rekvisita, vilket gör dem osäkra för dansare. Jag hade en mängd svar: ilska, rädsla, förvirring, frustration. Denna studio mästare olika prestanda stilar. Varför ifrågasattes den konstform jag arbetar med? Saker kunde lätt lösas, men det fick mig att undra, varför är dansteatern så missförstådd?
Vad är dansteater?
Nicole Colbert Dance / Theatres 'Lovers and Strangers'. Foto av Per Morten Abrahamsen.
Dansteater är en dansbaserad konstform där en värld skapas genom fysiska och psykologiska interaktioner på scenen. Roland Langer (1984) exemplifierar elementen som att rita på ”dans, tal, sång, konventionell teater och användning av rekvisita, scen och kostymer i en sammanslagning. Vanligtvis finns det inget plot istället, specifika situationer, rädslor och mänskliga konflikter presenteras. ” Som ett resultat är det ofta lika mycket konceptuellt som det är dramatiskt och fysiskt.
Historia
Ursprunget till dansteater tillskrivs Rudolph Laban (1879-1958), Kurt Jooss (1901-1979) och Mary Wigman (1886-1973), som utvecklade en expressionistisk dansform som på tyska kallas Ausdruckstanz. De inspirerades av början av 20-taletthårhundradets tyska expressionismrörelse i målning som försökte betona inre känslor och idéer över replikationer av verkligheten. Efter första världskriget såg konstnärer det gamla sättet att göra saker som stillastående. I dans betraktades balett som en genre av den gammal garde som inte uttryckte individen och deras situationella reaktioner, såsom rädsla och längtan, till krigshändelserna och dess följder.
Pina Bauschs 'Nefés'. Foto av Stephanie Berger.
laura san giacomo bh storlek
Jooss lärjunge, Pina Bausch (1940-2009), betraktas som dansteatern för dansteater. Royd Climenhaga (2018) föreslår att Bausch, som var en ung koreograf på 1960-talet, inte bara påverkades av hennes arbete med Jooss och den tyska expressionismen utan också av experimenten från teaterkonstnärer som försökte ”skapa en värld av scenen, snarare än en värld på scenen ”vid den tiden.
Bauschs verk har ingen traditionell teaterbåge. Istället är den konstruerad som en serie vinjetter och inspirerad av ett tema eller en plats. På scenen trollas en fysisk värld fram genom symboliska signifikanter som vatten, blommor, smuts och spillror. I den här världen talar artister, springer, dansar, svettas, slår varandra och svimmar. Individuella svar på mänsklig erfarenhet ageras med intensitet, och rörelsens vokabulär är distinkt och uttrycksfullt. Hennes arbete har hjälpt till att inleda en seriös estetisk hänsyn till genren i Europa.
Dansteater på amerikansk mark
Bill T.Jones / Arnie Zane Company i 'Still / Here'. Foto av Dan Rest, med tillstånd av BAM Hamm-arkivet.
Dansteater har ingen historisk tradition i USA och har därför inte varit lika populär. De tidiga pionjärerna för modern dans som Martha Graham, Sophie Maslow och Anna Sokolow skapade danser med socialt medvetna teman och utvecklade ett uttrycksfullt vokabulär, men vid 1940-talet skedde en bortgång från expressionism mot abstrakt dansskapande, typiserat av verket av Merce Cunningham.
projekt-dans
Under en kort tidsperiod uppstod emellertid från mitten av 1980-talet till 1990-talet en generation koreografer som kunde betraktas som dansteaterartister. Dessa koreografer - Bill T. Jones / Arnie Zane, Doug Varone, Bebe Miller, Ralph Lemon, Sara Pearson och Patrik Widrig och Tere O'Connor, som fortfarande skapar arbete idag - var dansare i centrala NYC som utforskade politiska och sociala teman och skapar verk som liknar den europeiska dansteatern med sin sammanslagning av dans och teater, talat ord, teatervignetter och användning av kroppen som ett uttrycksställe. De skulle ha känt till de tidiga moderna danspionjärernas arbete, liksom skulle ha sett eller varit medvetna om det experimentella arbetet som kom ut ur Judson Theatre på 1960-talet, där konstnärer samlade genrer och utmanade estetiska prestandanormer .
Anna Sokolow's 'Steps of Silence'. Foto av Steven Pisano.
1980-talet, liksom 1960-talet, var också en tid med stora sociala och politiska förändringar, och enskilda konstnärer påverkades starkt av den ekonomiska lågkonjunkturen under Reagan-eran, AIDS-epidemin, uppkomsten av nykonservatism och den fortsatta lömska rasismen. och kvinnohat som uttrycks i det dagliga samhället. Miller hävdar att hennes arbete är 'rotat i det mänskliga tillståndet.' Denna konstnärliga undersökningslinje fångar bekymmerna hos denna generation koreografer och påminner om impulser från tidiga tyska och andra europeiska dansteaterproducenter.
I slutet av 1990-talet bytte dans spår igen, och tonvikten låg på abstrakt och rörelsebaserad koreografi. Dans teater blev en outlier.
Och nu?
I USA finns ett växande intresse för dansteater. Danskritiker Siobhan Burke (2017) citerar Annie B. Parson, Okwui Okpokwasili och Faye Driscoll som nuvarande dansteaterartister. David Neumann och Raja Feather Kelly bör läggas till den listan. När fler och fler dansproducenter blir intresserade av dansteater finns det fortfarande vissa svårigheter när det gäller dess identitet. Det finns inte ens en enhetlig stavning på engelska. Library of Congress citerar Dans teater (Tyska) som namnet på den europeiska dansteatern, men på engelska är det dans / teater , dansteater och dans-teater . Bortsett från semantik är de verkliga utmaningarna som möter formen på amerikansk mark inom tränings- och prestationsmöjligheter.
Pina Bauschs 'som mossan på stenen, åh ja, ja, ja ...'. Foto av Stephanie Berger.
banbrytande danscenter
Utbildning för dansare som vill uppträda i dansteaterverk är avgörande. På en konsert som jag såg av en kommande koreograf (betecknad som dansteater) förlitade sig arbetet starkt på berättelsen, men dansarna hade inte förmågan att tala hörbart på scenen. Upplevelsen var väldigt frustrerande, som att lyssna på musik med en hörlurar som stämmer in och ut.
Dessutom kan kuratorer för små teatrar som presenterar dans skapa avsiktligt utrymme för dansteater vid programmering. På så sätt skulle de ge konstnärer fler möjligheter att utveckla idéer och utarbeta kreativa frågor (som att prata på scenen). Det är möjligt att kuratorer undviker att presentera dansteater på grund av svårigheten att definiera genren. Dessutom, utan en enhetlig stavning, kanske curatorer inte ens vet var de ska börja. Som ett resultat går många viktiga möjligheter förlorade för artister i dansteater.
Den amerikanska konstscenens etos har historiskt sett alltid varit mycket experimentell. Samtidigt drivs det amerikanska samhället av etiketter. Dessa två värden har ofta förflyttat konströrelser och former till sidorna. Kanske är det dags att sluta oroa sig för hur man märker eller definierar det. Låt det vara vad det är: en dansbaserad konst som bygger på en sammansmältning av former. Låt oss istället ta upp de frågor som ger det en chans att utvecklas och växa på amerikansk mark och bli något av sitt eget.
Av Nicole Colbert från Dance informerar.
