Recensioner | April 2024

Alvin Ailey American Dance Theatre i Jamar Roberts '' A Jam Session For Troubling Times '. Foto med tillstånd av Emily Kikta Peter Walker.

2-31 december 2020.
Tillgänglig via www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now .

I över 60 år har Alvin Ailey American Dance Theatre presenterat danskonst som lyfter, inspirerar, utbildar och provocerar tanke - från prosceniumscenen till dansstudion till samhällsbaserade miljöer. Det är en stor del av varför tusentals dans- och konstälskare har återkommit till vad företaget erbjuder gång på gång - genom tider av krig och fred, knapphet och mycket, oenighet och harmoni.

Med tanke på COVID-pandemin ser det som företaget presenterar annorlunda ut i år - påfallande nog också de 60^thårsdagen för Alvin Aileys mästerverk Uppenbarelser. Ändå är det förmodligen inte mindre meningsfullt och inte mindre speciellt. Ingenting kan ersätta liveframträdande, men vad företaget har erbjudit i sitt första virtuella säsongen någonsin (något historiskt i sig) hade sina egna kreativa innovationer och sätt på vilka företaget talar med sin egen röst.

Dessa innovationer var särskilt framträdande i de två originalverk som presenterades den här säsongen - Jamar Roberts En jamsession för oroliga tider och Testamente av biträdande konstnärlig chef Matthew Rushing (i samarbete med företagsmedlem och assistent till repetitionsdirektören Clifton Brown och före detta företagsmedlem Yusha-Marie Sorzano). Andra program under säsongen firade 60 år av Uppenbarelser , undersökte hur dans och social rättvisa skär varandra, erbjöd innehåll i alla åldrar för hela familjen och firade två företagsmedlemmar som gick i pension i år.

Aileys Renaldo Maurice, Courtney Celeste Spears och Chalvar Montiero filmar Jamar Roberts '' A Jam Session for Troubling Times '. Foto med tillstånd av Emily Kikta och Peter Walker.

Roberts ' En jamsession för oroliga tider började med vackra överheadbilder från New York City. I voiceover delade en gentleman berättelser om livet för en jazzmusiker i staden. Skott av musiker på ett tak tillsammans skarvade in i Alvin Aileys dansare framför Ailey Studios (skyltar av 'ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATER' placerade dem tydligt). Dansarna - även om de förblev fysiskt avlägsna - hade några ögonblick av spänning när de träffade varandra och gick sedan snabbt över till rörelse. Det valet var humaniserande och hjärtvärmande, särskilt i denna tid av fysisk frånkoppling.

Rörelsen var, med risk för att reducera något så skiktat och rikt, en utföringsform av jazzmusik: improvisera av ett rudimentärt element, riffa av varandra, dansares energier som matar varandras. Unison-rörelse blev dominerande senare i stycket, men den improvisatoriska unika karaktären hos varje dansares kropp och rörelsesignatur kvarstod.

De sätt på vilka rörelsen skiftades och utvecklades under biten var också spännande och estetiskt tillfredsställande. Det började för det mesta mycket vinklat och mycket gestikulärt jazzdans sig. (Och mycket av vokabulären påverkas av jazzdans - till exempel isoleringsbaserad och parallell). En mer krökt och flytande kvalitet kom senare med bongotrummor som tog en melodilinje. Dansarna fortsatte att förkroppsliga musiken genom nya tillvägagångssätt som tangibiliserar musik i kroppen är inte ett nytt koncept, men detta arbete erbjöd det på sätt som jag aldrig sett förut.

Verkets film och belysning behöll dess visuella upplevelse dynamisk. Kameran förde oss till närbilder senare i arbetet, och när dansarna flyttade in i en gränd, belyste ett gult ljus dem. Med den nya belysningen kom en ny nyans över deras hud och kostymer - något som dans på film erbjuder oändliga möjligheter.

Dansarnas äkthet och mänsklighet förbättrade också upplevelsen av arbetet. Det fanns en anspråkslös och väldigt mänsklig kvalitet på hur de rörde sig, lika häpnadsväckande virtuosa som de var. Varje dansares personlighet fick ett ögonblick i rampljuset, något roligt och glatt att se. Fotgängarkläder i linje med den klassiska jazzklubbens atmosfär förstärkte denna känsla. Slutramarna gjorde det också, med dansarna som klappade, grovade ut varandra och var och en fick några ögonblick på ett solo-shot och namnkredit. Verkets titel är i den tonen och andan: okomplicerad, finslipad och tillgänglig. Verket är precis vad titeln säger att det är.

dansstudio till salu

I en chatt efter föreställningen diskuterade Roberts och konstnärlig chef Robert Battle inspiration för och sammanhang för arbetet. Roberts erkände tiden vi befinner oss i, och kontrasten mellan det och pjäsets humör. Han ser det som besläktat med saker vi gör för att hålla humöret uppe och ansluta till andra på säkra sätt - gå till exempel på cykelturer och till parken. Vi kan stöta i oroliga tider och hitta glädje och kreativitet tillsammans. Diskussionen exemplifierade den djupare förståelsen kring verk som sådana samtal med koreografer kan ge.

Testamente , koreograferad av Associate ArtisticDirector Matthew Rushing i samarbete med Clifton Brown och Yusha-Marie Sorzano, var en bit för att fira, hedra och se från en ny lins Aileys banbrytande arbete Uppenbarelser i dess 60^thårsdagen . Tycka om Uppenbarelser , centrerar arbetet en berättelse om ”att förvandla smärta till makt” och cykeln av ”klagan till hoppet”, sade - i ett föredrag efter föreställningen med de tre koreograferna. De tre - ”Team Testamentet”, som de glatt delade i chatten efter föreställningen - diskuterade också hur delade berättelser och ”konkreta bevis” är centrala idéer som formade arbetet.

Alvin Ailey American Dance Theatre i 'Testament' av Matthew Rushing, Clifton Brown och Yusha-Marie Sorzano på Wave Hill PGCC. Foto av Travis Magee.

tinging asmr riktiga namn

Pjäsen började med att människor rör sig tillsammans, och med ett andetag av en kvinna skenade ett ljus. Med lågan att dö ut ögonblick senare fanns det bilder av svart smärta och subgation - sådana som var intensiva att uppleva. Det första ensembletsektionen följde med dansare på en tom scen i en tät och linjär formation. Det fanns ett ljudlandskap av vatten och vind, av en storm till sjöss. Ljusstrålar sken in och belyser ett annars mörkt stadium. Partituren sjöng ”Varför är jag här? / Vad är det här för ställe? / Vad gjorde jag för att komma hit? ” Jag tänkte omedelbart på Middle Passage, mellan Afrika och Amerika - där det antagligen började allt.

Rörelsen hade en räckvidd och en desperation, men vid andra tillfällen en rädsla och tillbakadragande till sig själv. Stunder av stillhet och tomma uttryck signalerade brist på hopp och avgång från det nuvarande ödet. Några av de mest kraftfulla rörelsevokabulären var långsam enrörelse, en enkel höjning av ett ben över höften medan den låg på sidan.

Följande avsnitt presenterade två dansare, var och en i en lång strålkastare. Det fanns en hög virtuositet i djupa böjningar, höga förlängningar och kraftfulla svängar. Men det som kändes mest betydelsefullt var det som inte fanns där - bristen på anslutning mellan dem och bristen på att flytta ut från de utrymmen som deras strålkastare belyste. Partiturets enkla elektroniska toner förbättrade denna känsla av vad som saknades. De rörde sig framåt och bakåt, signaliserade åtgärder, men ändå kunde de inte bryta dessa hinder och ansluta till varandra. Det var fram till en anmärkningsvärd punkt, då de för första gången tittade på varandra - ett ögonblick som tog sin tid och resonerade.

Bilder av förtryck av svarta människor blinkade igen över skärmen och efter motståndet mot det förtrycket: av MLK Jr., protestskyltar och att stå tillsammans mot hottaktik. Därefter kom en rörande ensemblesektion av dansare som rör sig tillsammans med kraft, övertygelse och syfte - bokstavligen går framåt tillsammans. Vinklar i rörelse förmedlade styrka, medan kurvor illustrerade anpassningsförmåga och komplexitet. ”Jag är här / jag är värdig” sjöng låten - och allt om dansarnas närvaro talade den sanningen.

Nästa avsnitt var en solo för att verkligen röra hjärtat - en kvinna som dansar i sin kraft, men med upprördhet och problem i hennes kropp och själ uppenbar. Talet i noterna talade om känslomässig oro och ensamhet på den oroliga platsen. Dessa ord påminde mig om att när vi pratar och dansar om befrielse är mental hälsa inte en aspekt att glömma.

Dansare cirklade runt henne, som i stöd och skydd, och talet skiftades till att handla om att vara i hennes makt och gå framåt i tydligheten i hennes övertygelse. Blinkande över skärmen var foton av svarta ledare och visionärer - från Frederick Douglass till Harriet Tubman till Rosa Parks till Malcolm X till James Baldwin. Slutligen såg vi Michelle och Barack Obama samt vicepresident Elect Kamala Harris. Mitt hjärta kunde inte låta bli att hoppa.

Skottet skiftade till utomhus, med en stor grupp som dansade, än en gång. Rörelsen den här gången var mjukare, lättare och gladare än i det första ensembleavsnittet. Det var som om de inte längre behövde pressa och slåss och bevisa att de bara kunde vara . Gester smälte till nya gester, ryggar vågade och energi strålade från sitt centrum utöver deras kinesfärer.

Ändå förblev det som är osäkert. Huvudansaren såg en annan kvinna i en sjal och gick mot henne när de andra dansarna fortsatte att röra sig - det var tillbaka till öppningsskottet. Jag tänkte på hur historiens vikt inte kan tappas helt - vad som har gått förlorat och vad som kunde ha varit kommer aldrig att återfås helt. Å andra sidan är arvet och styrkan hos dem som kom före något som återstår hos oss också.

I oroliga tider kan påminnelser om sådana sanningar - genom konstmediet - betyda mer än någonsin. Dessa verk kändes som om de formades av dessa tider och erbjöd också något väsentligt för dem som lever i dessa tider, där av dessa tider och för dessa tider. Intressant kan konst och under en viss tid vara den som resonerar genom tiderna. Jag tror verkligen att dessa verk och den större säsongen där de presenterades kommer att komma ihåg för vad de erbjöd, när de erbjöd det - en speciell och berömvärd sak.

Av Kathryn Boland från Dance informerar.