'Dans +'. Foto av Anna Hull. 27 september 2019.
Center for Performance Research, Brooklyn, NY.
En skicklig dansartist som jag en gång intervjuade diskuterade skapandet av ”empatiska åtkomstpunkter” för alla typer av publikmedlemmar - saker och sätt att presentera dem, som vem som helst kan hitta en relation till. Amanda + James Dans + använde rörelse, tal, musik och teaterelement för att erbjuda publiken dessa åtkomstpunkter. Att tillgången var i olika känslor, några djupa, personliga och svåra, men presenterades ändå på ett universellt snarare än isolerat sätt. Att skapa och uppträda med öppenhet för personlig sårbarhet verkade ligga till grund för denna obehindrade delning. Amanda + James är en ”öppen miljö för tvärvetenskapligt samarbete [och] som utlöser konversationer mellan stigande konstnärer över ett så brett spektrum av konstnärliga discipliner som möjligt och uppmuntrar mångfacetterade perspektiv genom hela den kreativa processen.”
I mitt ställe , koreograferad och framförd av Kristi Cole, satte en ton för denna utsatta delning. Hon började sitta på en plastpresent, rör sig fram och tillbaka genom sin torso och förmedlade obehag. Valet av plast fick mig att tänka på artificialitet - meningsfullt, till synes, inte på artisten utan på hennes omgivning. Cole var spotlight, men inte riktigt ljust, vilket bidrog till en mystisk och illavarslande atmosfär. Hon bar vitt och benvitt, något med flera tolkningsmöjligheter - renhet eller ett tomt skiffer öppet för fyllning, till exempel. Hon sträckte ut benen men stannade lågt och rörde sig runt den fyrkantiga presenningen i ett fyrkantigt mönster - smidig och beslutsam men fortfarande orolig.
Bredvid henne låg en vattenkärl, och hon dunkade hela huvudet in och flämtade medan hon drog ut det och vred sitt våta hår bakåt.
bryton myler
I sina programnoteringar hänvisade Cole till 'att använda sin erfarenhet som en queer kvinna för att fysiskt undersöka ... den universella mänskliga önskan att uppta lika utrymme och därmed lika värde i världen.' Den fysiska känslan med huvudet dunkat i vatten - omgiven, oförmåga, panik - anpassas till denna känsla av att behöva ifrågasätta hur mycket utrymme man får ta upp i världen, det kan finnas en uråldrig, kroppsbaserad ångest med rädsla för ens välbefinnande - och till och med existens - i ett sådant tillstånd av marginalisering. Cole tangibiliserade denna känsla, i rörelseprestanda, ganska visceralt och minnesvärt.
Snart steg Cole och rörde sig genom rummet - i en smidigt cirkulär väg och väcker en känsla av harmoni. Ändå visade hennes rörelse på kinesfärisk (kroppsnivå) fortfarande något orolig. Denna kombination av kvaliteter fick mig att tänka på hur många människor där ute i världen verkar vara väljusterade och högt fungerande, men ändå i deras sinnen och / eller i de mest personliga ögonblicken de skadar och kämpar. Cole körde runt scenutrymmet och utförde virtuosa rörelser, som kraftfullt språng och en slående tunnvridning, som fick mig att vilja se mer av det som var tydligt hennes kropp kunde göra. Ändå var jag också medveten om att mer högflygande bedrifter kunde förringa den kraftfulla känslan och budskapet som Cole var tvungen att dela.
Partituren, 'Memory Board' av Rachel's, skiftade till Amy Winehouse 'Our Day Will Come'. Cole rörde sig med mer styrka och en ny känsla av självförtroende - men ändå en upprörd luft. Sången lindades ner och hon återvände till plastpresenningen. Hon började gråta, jämna ut, huvud i händer. Detta val kändes som en akut vändning från upplösningsnormen 'lyckligt slut' i berättande konst - en övertygelse och påstående att saker och ting ibland bara inte hamnar i ordning.
Sådan djärv sanning är inte nödvändigtvis lätt för någon publikmedlem att uppleva, särskilt för dem som har upplevt allvarliga psykiska hälsokampar eller har nära nära och kära som har. Jag undrade om en utlösarvarning var i ordning. Men när jag kommer från en plats med heteronormativt privilegium kommer jag också till denna fråga med ödmjukhet, en önskan att lyssna och med respekt för Cole som en självständig konstnär. Jag uppskattar djupt hennes skickliga form av konst som släpper oss in i sin värld och hennes kamp, med sådan öppenhet att vara sårbar.
scott rogowsky wiki
Nästa (före paus) kom NeurHOTics ' BÄTTRE , ett verk fyllt med lätt, teatralsk humor samt sårbarheten för att dela djupare smärta. Duon, Sara Campia och Abby Price, 'undersöker var förlamande ångest möter onödigt sexuellt beteende.' De kom på bantering, puttering och rengöring av rekvisita och våta områden från Coles arbete. De hade på sig något avslöjande dräkter, men inget osmakligt - utsatta magar och korta shorts. Deras dräkter kändes i linje med deras humoristiska karaktärer och deras företags fokus.
Plötsligt insåg de att det var deras tid att uppträda, även om de inte 'hade tid att öva ... men ok, vi kan göra det här, vi är proffs' - oro i deras röster och kroppar är dock fortfarande uppenbara. Det var en typ av ångest som kan ge skratt och publiken skrattade med. 'Pump-up', 'pop' -musik kom upp och de dansade. Det var cheer / pom, dans i tävlingsstil, utförd på ett sätt som fick publiken att skratta ännu hårdare. De sparkade höga, vridna höfter och vände sig med tydliga förberedelser (med lite dansspecifik humor, något 'meta', om du vill). Allt var medvetet och effektivt humoristiskt - även om djupare osäkerhet och ångest var uppenbara.
Det som kändes effektivt i detta tillvägagångssätt var en tilltalande förpackning av något svårare att ta in, men ändå en viktig illustration. Snart tog en fram en tårta - ja, en riktig ätbar tårta - och erbjöd bitar till publiken ('någon vill ha tårta?'). Detta avsnitt främjade detta tillvägagångssätt för en tilltalande presentation av något svårare och djupare. Publikmedlemmar skrattade hårdare snarare än att acceptera bitar.
Det fanns ett 'brott av den fjärde väggen', ett direkt engagemang med publikmedlemmar, här - dessutom en som utmanade traditionell dekor och normer kring publikens etikett. (”Kan vi acceptera lite tårta? Får vi äta här inne? Ger de verkligen ut tårta?” Frågade vissa publikmedlemmar troligen sig själva.) Som svar blev de ledsna och sa ”ingen vill ha tårta” och hånar. gråter (allt humoristiskt levererat).
open call danstävling
Den sociala osäkerheten här var tydlig och gripande, även om den levererades på ett sätt som väckte skratt från hela publiken. Öppenheten för sårbarhet till grund för denna delning var också uppenbar och något jag tycker är prisvärt. För att avsluta, knuffade de tårtan i ansiktet och kastade den på varandra - matstrid! Den skarpa kontrasten till det tidigare stycket, Coles solo, var spännande att verken var fulla av sårbarhet och djup, men ändå levererades så annorlunda (när det gäller humör, atmosfär, pacing och estetik). Var och en hade sin egen värdefulla, rotad i sårbar känslomässig delning.
Amanda Hameline 26 juni 2009 stängde natten, ett gripande arbete med rörelse, tal och musik för att gräva i strider med ätstörningar, kroppsbild och allmän bild. Till att börja med gick Hameline framåt i höga klackar, korta shorts och mage nakna - vilket framkallade en hög nivå av kroppsförtroende. Senare hukade hon sig inåt, gömde sig och försökte få reservkläder att täcka mer av henne, trodde det självförtroendet. Text som hon talade beskrev bulimi och (hjärtskärande) okloka svar på hennes beteende (förmodligen från en vän eller familjemedlem), liksom minnen från ätstörningsbehandling.
Föreställningen, som Coles arbete, sockerbelagde inte något svårt - men kanske 'sockerbeläggning' (kanske med verklig, riktig tårta) kan göra det allt lättare för vissa publikmedlemmar. Hur som helst, viljan att vara sårbar är det som driver en sådan ärlig delning. Dessa konstnärer hade det såväl som en förmåga att forma det de presenterade till något estetiskt roligt eller övertygande. Koncept, rätt attityd och teknisk möjlighet - stor konst tar allt. Det hela visades på denna utgåva av Amanda + James's Dans + .
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
aladdin magiska matta broadway
Rekommenderat för dig
