DeAnna Pellecchia. Foto av Liz Linder. Det finns ett tveksamt, men ändå klokt svar där ute på det avvisande 'Mitt barn kan rita det!' - ”Tja, han / hon gjorde det inte . ” Detta är delvis en påpekning av hur 'expressionistiska' artister, vars verk till en början kanske inte verkar ta mycket skicklighet, alla var klassiskt utbildade innan de flyttade bort från det klassiska skapelsemetoden. Det gäller även dansare. Vi måste få en teknisk ram för att kunna släppa den. Med en teknisk grund kan vi dansare låta vårt sinne och vår anda lysa genom vår mycket skickliga kropp. Det är då verkligt meningsfull konst kan hända. Det var inne i oss hela tiden.
Ändå är processen att lära sig hur man gör det, hur man har en grund för teknik som låter ens verkliga jag växa fram genom rörelse, en svår process för många dansare. När man får vägledning att röra sig inom en ram, snarare än att få rörelsen steg för steg, räknar man efter räkning, fryser vissa dansare - ibland metaforiskt, ibland bokstavligen. Det är viktigare än någonsin för dansare att höja sig över den rädslan och stasen vi uppmanas att vara mer och mer mångsidiga och vara aktiva agenter i skapandet av arbete hela tiden.
Postmodernism fortsätter också att utvecklas, kanske förvandlas till en ny typ av 'post-postmodernism' med en eklekticism av rörelsidiom och tillvägagångssätt. Inom detta sammanhang utvecklar och förädlar koreografer kontinuerligt improvisationsstrukturer och andra sätt på vilka improvisation formar dansskapande.Dance Informatalade med tre koreografer om improvisationens roller i sina kreativa processer, hur de stöder och vårdar sina dansare genom det arbetet och mer.
Sheena Annalize, grundare, ägare och konstnärlig chef för Arch Contemporary Ballet (New York, NY)
Sheena Annalize (till höger) med dansare från Arch Contemporary Ballet. Foto av Noel Valero.
kiele sanchez nettovärde
”Hela min koreografi härstammar verkligen från improvisation. Jag kommer inte in i en repetition efter att ha planerat satsen. Ibland har jag ett flöde eller en översikt, men själva formuleringen kommer mer eller mindre bara ut i en försök-och-fel-process. Jag kommer att börja röra mig och dansarna kommer att följa vad jag gör. Om jag inte gillar det som händer ändrar jag det och provar något nytt, annars kan en dansare av misstag göra något annorlunda och få alla att prova det som dem. [Improvisation] skapar unik rörelse som är organisk för mina dansare.
Det skapar obegränsade möjligheter, eftersom du kan forma och forma rörelse och fortsätta att driva ditt befintliga frasarbete till ett bättre resultat. Improvisering är också en förbättring av befintligt arbete, att ta en fras ben och lägga kött till den. [Det] ger utrymme för förändring. Jag ber alltid dansarna att använda benen som jag ger dem som riktning och att lägga till köttet själva. Improvisation är mer än bara att använda ditt dansordförråd eller rörelse som du känner till, det handlar om att utforska det okända. Det är en chans att testa kroppens begränsningar, utforska vad varje kroppsdel kan göra och hur den rör sig.
Detta är svårt för [dansare i] en dansgenre som inte utforskar detta alternativ mycket i träning. Ibland uppmuntrar jag mina dansare med vägledande instruktioner. Till exempel tar jag något och ber dem göra en del större, eller tänka på att använda en annan lem för att skapa samma rörelse. Därifrån tar fantasin så småningom över, som en gnista som antänder en skogsbrand i studion. ”
Stephanie Pizzo, konstnärlig ledare och tidigare företagsmedlem i Eisenhower Dance (Detroit, Michigan)
Stephanie Pizzo. Foto med tillstånd av Pizzo.
”Improvisation är viktigt i min koreografiska process, eftersom spontanitet kan förskjuta ramen för arbetet miljön och dess omgivning kan skapa nya oförutsedda vägar. Den mest glädjande aspekten av improvisation är att den inte har några gränser! För tillfället, i realtid, är det när överraskningarna kan bli verklighet. Det är det 'oförutsebara' som kan överskrida arbetet! Som koreograf kan det vara inspirerande när du kan vägleda dina dansare / artister genom en strukturerad improv och kultivera ordförråd som sträcker dem bortom deras begränsningar. När konstnären delar sin personliga röst ger det dem en känsla av ägande. Det finns en ärlighet och naturlighet som artisten anammar när de uppträder. ”
DeAnna Pellecchia, grundare, ägare och konstnärlig chef för KAIROS Dance Theatre (Boston, MA)
”När jag pratar om improvisation vill jag först tänka på hur jag hatade det när jag först introducerade det på college. Jag skulle alltid hoppa över dessa lektioner. Sedan kom jag ut i dansvärlden och fick reda på att så fungerar alla. Och jag önskade att jag hade gått till dessa lektioner! Jag vill också berätta för mina dansare en historia om en av de första koreograferna som jag dansade för. Hon arbetade genom improvisation, en metod som heter Listening Strategies. Det var helt skrämmande nytt territorium för mig. Jag frågade henne, 'Vad händer om jag inte gör rätt val?' Och hon svarade: 'DeAnna, om du kunde göra fel val, tror du att du skulle vara här?'
DeAnna Pellecchia. Foto av Liz Linder.
Det var ett enormt ögonblick för mig, helt bemyndigande och flyttade bara allt. Det meddelade att vad jag än gjorde, på grund av vad jag redan hade och vem jag redan var, skulle vara vackert. Det perspektivet formar hur jag arbetar den här dagen.
När ett verk presenteras är det i slutändan min estetik, men det har lika lite av alla mina dansare i sig. Alla känner lite äganderätt, vilket är validerande och bemyndigande. Målet är att dansarna ska äga vad de gör. Det ger en äkthet som också kommer från en plats med sårbarhet. Jag tror att den bästa konsten har det, för det är något publiken verkligen kan ansluta till. ”
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
Rekommenderat för dig
