Recensioner | Juli 2026

New England Ballet Theatre i Connecticut. Foto av Jeff Holcombe.

26-28 september 2020.
Online på onstagedanceco.com .

En meningsfull sak med konsten är hur det kan ge människor en röst, ett utrymme att uttrycka sig och dela sina erfarenheter. Att kunna höra rösten är också ett viktigt sätt att bemyndiga människor. Både OnStage Dance Dance Company (Malden, MA) och Nozama Dance Collective (Boston, MA) har bemyndigat människor genom danskonst som en viktig del av deras uppdrag - den förra som ett utrymme för vuxna dansare att uppträda medan de engagerar sig i andra karriärer, och den senare fokuserade på att ge kvinnor genom dans. De Stärka varandra serien är hjärnbarnet för de två företagen (OnStage regisserad av Jen Kuhnberg och Nozama av Gracie Baruzzi och Natalie Nelson-Schiera), och är grundad i tron att samarbete kan ge alla inblandade och skapa något riktigt speciellt.

Genom antalet presenterade artister är det också en plattform för många artister att ha en röst - alla varierade, alla unika, alla värda något speciellt på sina egna sätt. Baruzzi och Kuhnberg var inte på väg att låta en global pandemi komma i vägen för detta viktiga arbete. Faktum är att detta år är Stärka varandra (den andra årliga) kunde ge fler artister en röst i år än serien har gjort tidigare. Dessutom tillät ett virtuellt videoformat utrymme för en kort video från varje koreograf som föregick deras verk, där de kunde dela lite om sig själva och det arbete vi ska se - och vi kunde bokstavligen höra deras röst.

sunlen serfaty höjd

Allo Movement Project Ouppskatta: V4 , framförd av Allison Rebecca Penn och med videografi från Jesse Pierce, kommer tredje i den virtuella showen. Dansare rör sig på olika platser utomhus, en känsla av ensamhet att dansa ensam. Är det ensamhet eller ensamhet? Det är fortfarande en öppen och spännande fråga. Penn som dansar i dessa utrymmen, tillsammans med sina fotgängarkläder, ger arbetet en quotidian känsla. Att flytta lågt i rymden ger en känsla av tyngd, som om hon rör sig med ett tungt hjärta. Uppmuntrande stunder av förbipasserande som rör sig igenom och inte erkänner henne ökar känslan av ensamhet.

Partituren, en själslig R&B-låt, bidrar till den känslan. Högtalaren i låten verkar uppleva mycket förvirring och är också ensam i det mentala rummet. Rörelsens energi - ibland frenetisk (därmed den förvirringen) men ändå tung - verkar stämma överens med allt detta. I en tid då vi inte alltid kan krama dem vi älskar och osäkerheten hänger tungt i luften, känns arbetet relevant och relaterat. Att spegla vår upplevelse tillbaka till oss, som konst ibland gör, gör att vi kan se det på nya sätt. Vad kan hända därifrån? Bara tiden kan säga.

Dana Alsamsams Modersmål kommer nästa. Alsamsam förklarar hur arbetet kommenterar våra relationer med våra mödrar och effekten de har på oss under hela vårt liv. Fem dansare rör sig genom olika nivåer, former av tydlig geometri och platser i rymden relativt varandra. De börjar med fyra av dansarna som knäfaller i ett slags sidosprång och lutar sig inuti benen med breda armar. Det är en spännande form som återvänder genom biten. En dansare dansar också över dem i rymden. Den hierarkin genom placering förblir inte dansare rör sig på alla sätt i förhållande till varandra under hela arbetet. De väver in och ut från varandra, som i spänning även när de samexisterar. Poängen är spökande, en ensam röst som gör långa, liltande toner medan andra röster gör vokaliseringar som är mer staccato och frenetiska. Rödbruna och svarta dräkter i rena, enkla snitt stödjer stämningens stämning och bidrar till en tilltalande estetisk organisation.

Shae Forest's 'Speak'. Foto av Paul Bloomfield.

Jag föreställer mig att den långa staccato-rösten är en mammas psykiska, vare sig medveten eller omedveten, samtidigt som jag hör en kakofoni av andra röster i den omgivande världen. Att väva in och ut från varandra genom rymden känns som de rösterna och de influenser som möts och hittar någon form av tolerans för varandra. Mångfalden som härrör från alla dessa vägar genom rymden känns som den mångfald som kommer från den kakofoni av röster som kan ha en effekt på oss. Fortfarande kvarstår moderns röst. Till slut lägger en dansare sittande mot de fyra andra dansarna - baksidan av strukturen i början av arbetet. Jag tänker på alla de olika sätten att höra vår mors röst kan påverka oss, och alla de olika situationer vi kan befinna oss där vi hör henne.

Shae Forest's Tala utforskar hur dans kan fungera som ett språk och betydelsen av det för kommunikation i samhället, delar hon i sitt inledande utdrag. Tyvärr är det inte ett ämne som tänker på för ett bredare samhälle, tycker en kanske cynisk del av mig. Ändå kan vem som helst uppskatta det här estetiska utbudet. Dansarna, klädda i elegant klippta benvita trikåklänningar, rör sig med otrolig möjlighet genom mycket tekniskt och utmanande rörelsevokabulär. De rör sig med passion och engagemang genom det utmanande arbetet, så att det känns uttrycksfullt och meningsfullt snarare än bara rörelse 'trick' för deras egen skull.

Den mörka belysningen och den sensationella instrumentala poängen bygger ytterligare drama och uttryck. Forest strukturerade också skickligt grupperingar i arbetet så att dansare kommer och går och grupper förändras tillräckligt för att vara spännande men inte så mycket för att känna att dessa förändringar kommer för snabbt - de skift som kanske representerar en egen kommunikation. Ibland har konst en allmänt tillgänglig betydelse, ibland är den estetiskt tilltalande eller minnesvärd, och ibland har den båda. Inget av dessa alternativ är i sig vilseledande. De är alla värda något.

Rachel Linsky's Urval är ett minnesvärt och tankeväckande arbete. Viktig betydelse möter teknisk färdighet, och resultatet är något som verkligen fascinerar. I sitt pre-performance-utdrag förklarar Linsky att stycket utforskar processen med 'urval', genom vilken nazisterna separerade dem som kunde arbeta och de som skulle dödas omedelbart när de förde judiska fångar till koncentrationsläger. Familjer drogs isär genom denna process, delar Linsky, vilket har varit ett vanligt verktyg för förtryckare för de förtryckta genom historien. Utanför Bostons Holocaust Museum bildar dansarna raka linjer - i kuslig linje med judiska fångar vid ankomsten till platsen för deras (troliga) död. Rök stiger, en annan kylig referens här.

Rachel Linsky's 'Selection'. Foto av Lisa Link.

De rör sig (inom dessa linjer) med en viss nivå av bunden kvalitet, sidobockar och rullar genom axlarna för att böja sig framåt - förkroppsligar förträngning och brist på autonomi. Stödjer denna känsla och en önskan att undkomma förträngningen medan de är maktlösa att göra det, de når upp i himlen men faller vid andra tillfällen till golvet eller strax ovanför den i en djup lunga. Dansarna bär masker uppenbarligen på grund av COVID, men det tänker också på mig en sjukdom - som den som ledde till att sex miljoner judiska människor och sex miljoner andra dödades som ett hot mot nazismakten. Nummer blinkar framför dansarna när de rör sig, vilket representerar identifikationsnummer för fångar i koncentrationslägret. Tyngden av detta historiska trauma, detta ont i historien, slår mig på en mycket visceral nivå.

Ändå är det verkligt skrämmande här inte vikten från det förflutna isolerat - det är det förflutna som rimmar med saker som händer idag. Mot slutet, bland rösterna från andra överlevande i koncentrationslägret, hör vi Bernard Marks konfrontera Sheriffen och tillförordnad ICE-chef vid ett rådhus i Sacramento, Kalifornien. Han talar med uppriktighet och grymhet och drar paralleller med hur han separerades från sin familj i koncentrationslägren och hur det händer idag i migreringscentra här i USA. Jag tar en stund med högtidlig eftertanke efter att ha tittat på verket och lovar att aldrig glömma och aldrig ursäkta hat. Fungerar som Linsky, med estetiskt kommando och en verkligt potent mening, kan ha den typen av effekt.

Snart erbjuder dock ballerinor från New England Ballet Theatre of Connecticut något mycket lättare och glädjande. Mjuk pianomusik åtföljer deras sprudlande balletiska rörelser genom olika utomhusplatser - hoppar stort vid en sjö, springer och gör en gest på ett klassiskt hems steg och snurrar på en veranda. Slow motion-effekter förbättrar känslan av frihet under flygning och filter ger en visuell harmoni som verkligen är tilltalande. Allt känns som en flykt från COVIDs verklighet. Dansarna bär inte ens masker (vilket jag tycker är bra för att de inte kommer särskilt nära varandra när de dansar i samma skott). Arbetets lugn och glädje, för att inte tala om rymden och friheten som ballerinorna rör sig med, känns som medicin för själen i denna tid (eller när som helst, det kan vara) .

Men ändå är arbetet inte helt utan känslomässigt eller konceptuellt intervall mot slutet, dansare gör klo-rörelser uppför byggnadens sidor - bortsett från visuellt vackert, förmedlar en sträckning och en längtan efter det ofötta och outforskade (trots alla utrymmen som de har stött på i arbetet). Oavsett vad vi hittar och upplever finns det alltid något utanför det. New England Ballet Theatre of Connecticut har en röst som kan ge oss allt detta, precis som andra röster erbjöd egna gåvor genom sin röst. Brava till OnStage Dance Company och Nozama Dance Collective för att skapa utrymme för alla dessa röster.

Av Kathryn Boland från Dance informerar.