Paulo Arrais och Irlan Silva i Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto av Rosalie O'Connor, med tillstånd av Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
3 november 2017.
Spänningen mellan individens och gruppens vilja är lika gammal som tiden. I klassisk dans finns detCorps de balletoch solister. Traditionellt settkroppmedlemmar måste tillsammans komponera en enad helhet medan solister har till uppgift att förkroppsliga fullständiga och minnesvärda karaktärer, arketyper eller idéer. Vissa danskonstverk kan använda denna struktur för att skildra enade grupper och de som avviker från dem, de 'mavericks' som vågar färga utanför linjerna. Det verkar ha visats möjligt även i balett utformad i en mer samtida åder.
zahra elise ras
Boston Ballet i Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto av Rosalie O'Connor, med tillstånd av Boston Ballet.
Boston Ballet visade ett sådant tillvägagångssätt, till stor framgång, i Obsidian Tear - inklusive titelverket från Wayne McGregor och världspremiären av Femte symfonin om Jean Sibelius från Resident Choreographer Jorma Elo. Det allmänna fokuset, som levereras med specificitet men ändå mångfacetterad nyans öppen för tolkning, verkar ganska apropos under 2017 olika sociopolitiska krafter får oss att överväga hur vi balanserar att betjäna individens liv och det blomstrande hos det bredare kollektivet.
Oxford Dictionary definierar 'obsidian' som 'en hård, mörk, glasliknande vulkanisk sten bildad av den snabba stelningen av lava utan kristallisering' - ett märkligt ord för titeln på en balett. Detta i kombination med den storslagna och dramatiska föregående överturen ('Finlandia' av Jean Sibelius, ledd av gästledaren Daniel Stewart), och vi publikmedlemmar visste inte vad vi kunde förvänta oss. Ändå visste vi att vi var på väg. De första dansarna var i svart, med en i rött - en färg som sticker ut som livlig och unik. Andra dansare gick med, men alla i svart och ingen med detta iögonfallande rött (kostymer samlade av modekoordinator Katie Shillingford). Den enda röda fick beteckna något. Något stort måste komma.
McGregors rörelse i det här stycket var som lönnsirap - sipprade på ett ihållande sätt men med en på något sätt skarp och slående sötma. Ett nät av det klassiska och mer gemensamt initierade samtida byggde kanske denna kvalitet. Musiken vävs samman sig genom den rörelsen, med en kontinuerligt slingrande kvalitet. Omvänt, när dansarna rörde sig, verkade olika grupperingar förkroppsliga olika harmoniska delar i musiken - hög och lägre, skarp och merordspråk.
Rörelsen var också ganska formdriven - ibland de mer komplexa och suddiga för ögat, andra gånger mer geometriska och definitiva. Det blev en ge-och-ta, en balans, mellan det definierade och det något odefinierbara. En verkligt minnesvärd form, visuellt häpnadsväckande men också tydligen talande till sambandet mellan dansarna, var armar som bildade en ögla (dansare som håller handlederna) och öglan lyfts upp till scenen. De släppte detta för att återanvända en annan variant.
Boston Ballet i Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto av Rosalie O'Connor, med tillstånd av Boston Ballet.
nick fink ålder
Senare gick samma två av scenen tillsammans - två delar av en helhet verkade det. Ändå var dansaren i rött aldrig engagerad i denna typ av anslutningar. Dessutom gick fler dansare med och ledde honom till en avsats - en av svart, skarp, tjock och stark sten. Obsidian . En stridsspänning ökade. En dansare sträckte ut armen som för att göra en gest 'framåt, män!' Rörelsen växte sedan snabbare, mer geometrisk och mer vinklad - armbågsdriven, med gester i olika plan och riktningar. Allt kändes ganska mekaniskt. Dansaren i rött leddes äntligen till kanten av kanten. Spänningen nådde en topp då han var tvungen att stå där som en kraftfull, befallande dans (i en duett och solo) som spelades ut under honom. Det verkade inte finnas någon flykt.
På ett konstigt olyckligt sätt gick en dansare långsamt över scenen. Det påminde om den långsamma marschen mot dödlighet. Slutet verkade så nära för denna outsider i rött, det var konkret nog att återspeglas i fysisk form. Dansaren på avsatsen försökte fly men sköts sedan av i en okänd avgrund. Då kämpade en annan dansare för livet - en representation av den som föll, eller en av empatisk koppling mellan dem som båda levande, kände människor?
Ovanför denna dansare inleddes en duett av tung och jordad rörelse, med spänd men ändå smidigt utförd viktdelning. Det här avsnittet, liksom mycket annat om stycket (som några i en helt manlig skådespelare som bär ganska feminina dräkter) bröt obevekligt igenom könsgränser all-manliga partnerskap inkluderade former och rörelse som historiskt dansades av kvinnor. Allt tycktes inte väcka uppmärksamhet åt sig själv, eftersom det inte verkade vara huvudfokus för arbetet. Kön verkade bara inte behöva betyda.
robin dearden ålder
Det som tycktes vara mer den aktuella punkten var behandlingen av den här dansaren i rött utstötat, förnedrat och slutligen pressat till hans bortgång. Också betydelsefullt var hur en huvudledare för denna behandling hoppade av avsatsen själv i slutet - ljus och musik klippte plötsligt ut och gardinen tappade snabbt för att lägga till chocken att observera den helt oväntade åtgärden. En takeaway - ibland skjuts vi och ibland hoppar vi. Vi är klara med, och vi gör med oss själva. En annan är att de som mobbar och utstöt de utsatta i slutändan också skadar sig själva i slutändan. Oavsett fallet eller till och med utan något särskilt moraliskt budskap att härleda var det unik och slående konst att uppleva.
Boston Ballet i Jorma Elo's 'Fifth Symphony of Jean Sibelius'. Foto av Rosalie O'Connor, med tillstånd av Boston Ballet.
Jorma Elo's Femte symfonin om Jean Sibeluis var märkbart mer traditionell men hade sin egen typ av samtida böjning. Det började verkligen med en smäll, med risk för kliché - men en som inte på något sätt var kliché. Från början smälte formationer till varandra på mycket slående, innovativa sätt. Det var en annan typ av kontinuerlig rörelse än vad som sågs i McGregors verk snarare än att enskilda grupperingar kontinuerligt rörde sig i specifika fraser, den övergripande scenbilden förändrades, skiftades och utvecklades ständigt. Med smart frasarbete, olika par manliga och kvinnliga dansare, i grönt och rödbrunt (kostymdesign av Yumiko Takeshima) flyttade inom dessa formationer. Detta uttrycksarbete punkterades av några speciella rörelsemotiv och former, inklusive 'V' -armar, 'saxande' ben med dansare lyfta (för att nästan skapa en känsla av flygning).
Allt kändes till stor del klassiskt, men ändå liltade förlängningar och formning i partnerskap kändes övertygande samtida. Något betydelsefullt kändes dock ganska avvikande från klassiska plottlösa balettstycken. En blå dansare (Ashley Ellis), som inte hade någon partner, dansade sin egen unika rörelse. Vid ett tillfälle, till exempel, satt Ellis, snurrade och trampade på fötterna som om hon cyklade. Hindrade hennes ensamhet henne från att flyga och höll henne jordad medan de med andras stöd kunde flyga?
Enheten i gruppen som helhet var inte så avgjort i början dansare i tydliga linjer rörde lemmarna åt vart håll - ett organiserat kaos. Allt detta förvandlades till tydligare enighet - kanon, grupperingar och liknande. Ellis karaktär verkade dock inte villig eller kapabel att självdefiniera inom den enade identiteten. I ett vackert avsnitt sprang till exempel dansare i smidigt korsande linjer. Dansaren i blått tog dock sin egen väg.
Derek Dunn och Hannah Bettes i Jorma Elo's 'Fifth Symphony of Jean Sibelius'. Foto av Rosalie O'Connor, med tillstånd av Boston Ballet.
I slutändan kom gruppen för att slå en underbar tablå - ändå satt dansaren i blått och slingrade benen. Hon kom aldrig för att verkligen gå med i gruppen. Ändå låg ett leende över hennes ansikte. Hon verkade vara i ensamhet, men inte ensamhet. Där demonstrerade arbetet i samband med McGregors mångfald av erfarenheter.
open call danstävling 2016
Det finns utestängning och attack av utomstående, som ofta bärs av rädsla - ofta för förändring, för att förlora det man har haft. Det är också när gruppen och outsidaren är nöjda med sin egen identitet och nuvarande erfarenhet. Vår värld (kanske mer nu än på länge) står för närvarande inför dessa frågor om hur vi balanserar individens och gruppens behov, välfärden för packet och utomstående - kanske nu mer än den har gjort på länge .
Konst, som bäst, är en spegel med flera paneler för att återspegla verkligheten som den är - eller hur den kan vara. Dans, med tillgång till de oändliga möjligheterna hos kroppar i rymden - förenad med kropparnas sinnen och andar - har kanske fortfarande en unik förmåga bland konstformer. I Obsidian Tear, Boston Ballet utnyttjade denna kraft med precision och nåd.
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
