Abraham.In Motion. Foto av Christopher Duggan. Joyce Theatre, New York, NY.
15 oktober 2019.
Kyle Abrahams Abraham.In.Motion (A.I.M.) strävar efter att 'skapa en stämningsfull tvärvetenskaplig arbetsgrupp' och att vara 'en representation av dansare från olika discipliner och olika personliga bakgrunder.' Företagets program på The Joyce Theatre validerade dessa väsentliga komponenter i sitt uppdrag - eklekticism och samarbete. Både kommer från - och dessutom behöver blomstra - en attityd av öppenhet för att dela och överväga andra perspektiv. En sådan anda och arbetssätt verkar levande och bra på A.I.M., med tanke på dessa eklektiska verk grundade i samarbetsmetoder.
Stora ringar , en världspremiär koreograferad av Keerati Jinakunwiphat, öppnade programmet. Rörelse - i formation och på kroppsnivå - återspeglade basketbollsdansares rörelse över scenen gradvis i linjer och nådde låg och hög, som om man borrade dribblar och skjuter. Ljud av sladdar reflekterade sneakers på banan. Belysning (av Dan Scully) framkallade ett spel eller en övning på sen natt, dramatiskt lågt och upplyste dansarna från sidan.
Språng och gester baserades i samtida och hiphop-ordförråd, men hade också en fotgängare. Denna kvalitet humaniserade dansarna och hjälpte till att validera baskettemat. Mer teknisk rörelse skulle komma, till och med slående partnerskap - som att en dansare vänder på höfterna för att röra en fot ner till marken medan hennes partner höll den andra. Estetiska effekter skulle också bli mer varierade och komplexa, till exempel en sektion med dansarna bakgrundsbelyst - och därför i silhuett.
Avsnitt som verkar improviserade skulle också komma, medan rörelsen före detta i stycket - i samförstånd och i separata grupper samtidigt dansade - verkade vara inställd. Jinakunwiphat erbjöd olika sätt att en grupp dansare kan flytta på en scen, separat och tillsammans. Allt detta medförde en känsla av dynamisk energi och harmoni mellan grupper. Texter mot slutet sa 'I'm good', medan dansarna rörde sig med ett enkelt spår. Rörelsen och formationerna i detta sista avsnitt (och andra) återspeglade motstånd - men ändå fanns det ett funktionellt, harmoniskt system här. Alla verkade kunna sanningsenligt säga 'Jag är bra'. Jinakunwiphats rörelse reflekterade olika rörelseformer och inspirationer, utförda av Abrahams mångsidiga dansare - eklekticism och samarbete i handling.
Visa ponny , koreograferad av Abraham och dansad av Marcella Lewis, kom nästa. Det oser också en lätt cool, såväl som dansarens stolthet och förtroende för sin egen hud. Lewis hade en guldenhet (kostymdesign av Fritz Masten), som lyste precis mot det gula / orange ljuset (Lighting Design av Scully), färgerna var perfekt kontrasterade men träffade också på något sätt harmoniskt. Lewis rörde sig med ett slags sass, en lågmäld som verkade säga att hon inte hade någonting att bevisa.
Hon böjde knäna, grundade djupt, men nådde ändå långt utanför sig själv med mjukt utsträckta lemmar. Genom att utforska olika nivåer rörde hon sig själv och orädd genom rymden. Gest som verkar efterlikna en marionett och fotarbete av en stolt hästs rörelse främjade verkets tema såväl som hip-hop-rörelsens ordförråd. Ändå återspeglade dessa flytande förlängningar och golvbaserade rörelsesektioner samtida rörelsens ordförråd.
mickey gall nettovärde
Detta arbete visade Abrahams förmåga att sömlöst blanda så olika rörelseidiom, en skicklig och övertygande eklekticism. Vid vissa punkter kom Doris Humphreys citat om att alla danser var för långa att jag tänkte på. Jag undrade om arbetet på åttio procent av dess längd skulle ha haft större inverkan. Verk som är solo spelar in i denna fråga, tror jag. Ändå var arbetet totalt sett minnesvärt och glädjande att uppleva.
Efter detta arbete kom Trisha Browns Bara Olos (återupprättad av Cecily Campbell och Stuart Shugg), ett arbete med postmoderna rörelseingredienser och format av postmoderna processer. Till en tystnad (bortsett från deras eget andetag och fötterna skrapade) doppade dansarna huvudet för att få sina ryggar att följa, går från sittande till lögn. De förde en armbåge i en sida, den andra armen leder dem mot sidan i sidled med ryggraden platt, den armbågen leder sedan armen för att förena den andra armen för att nå framåt - accentuerad men ändå med en jämnhet som gelar alla rörelser ihop. Allt detta dansade de först tillsammans.
Sedan, över högtalaren, gav någon dem instruktioner som 'omvänd' och 'gren'. Det var därför ett element av improvisation här till synes, dansarna visste inte vilka instruktioner som skulle komma när. De var imponerande på uppgiften och skarpa trots denna oväntade karaktär av vad de skulle bli ombedd att göra av personlig erfarenhet, jag kan säga att rörelseförändringar som retrogradering är ganska svåra att sätta in hjärnan och kroppen runt. På ett sätt är detta ett element i en postmodern dansares virtuositet. SYFTE. dansare däri visade sin mångsidighet här, och det större företaget sin anda av eklekticism i inkluderingen av ett sådant säkert postmodernt verk (man kan med rimlighet argumentera för att vi nu befinner oss i en 'post-postmodern' era inom dans och i den bredare konsten) . För att avsluta sa högtalarrösten 'vi fortsätter.' Det kändes som ett fönster in i en danskonstnärs verklighet, hur de arbetar mycket, mycket längre på ett verk än det själva varar i tid.
Studier av ett farväl var ett koreografiskt samarbete mellan Abraham och hans företagsdansare. Som oftast är fallet när koreografer arbetar på detta sätt (och därmed en fördel med att göra det) tycktes rörelse återspegla dansarnas styrkor och individuella rörelsestilar. Olika grupperingar av dansare som löser sig på olika sätt, om och om igen i ett verk, återspeglar överflödet av stämningar och energier som farväl kan återspegla - allt med en slags spänning eller sorg, men dessa situationer är sällan lätta eller trevliga. Slutet var särskilt kraftfullt en dansare stod ensam på scenen och tittade runt i rymden. Den här frågan dök upp för mig vad som är kvar efter ett adjö, inom och runt sig själv?
Kokong , koreograferad och dansad av Abraham, uppmanade till ett samarbete mellan dans och levande sång. Nyanserna i hans rörelse anpassades till nyanserna i den flerdelade sångharmonin. Tydligt i alla - och särskilt i Abrahams grundade, men på något sätt också ambitiösa, hoppfulla rörelsekvalitet - var en själsfullhet och generositet i andan. Dessa lager i deras kreativa erbjudande, och i kreativiteten i sig, kändes som någon form av 'kokong' - omsluter, skyddar dem genom självtransformation och tillväxt. Dessa konstnärer som tillsammans spelade, utmärkta i sina separata konstformer, verkade göra denna 'kokong' möjlig.
Avsluta natten var Aska , dansad av Misty Copeland och koreograferad av Abraham i samarbete med Copeland. Jag förväntade mig inte att se balettikonen som Copeland dansar den kvällen. Arbetet exemplifierade både samarbete och eklekticism genom sitt samarbetsvilliga koreografiska tillvägagångssätt och (sannolikt resulterande) samtida balettrörelseidiom. Det som var mest minnesvärt för mig i arbetet var Copelands närvaro och timing, snarare än stora rörelser 'trickar', hon är en virtuos dansare, men detta verk verkade avsikt att lyfta fram det som finns när man tar bort de höga nivåerna av virtuositet.
Ett starkt grått färgschema, Copelands vackert flytande korta tunika i den färgen (kostymdesign av Harriet Jung och Reid Bartelme), tycktes spegla den glesa känslan. Vad finns kvar i askan efter att elden brinner ljust och varmt? Bitar av virtuos brinnande eld slickade fortfarande upp då och då, till exempel med snabba fotarbeten och högflygande språng. Som ett hjärtslag blir poängen ( Attack / övergång av Alva Noto och Ryuichi Sakamoto med Ensemble Modern) kände sig reflekterande över hennes rörelsens kontinuerliga resonans (både den virtuosa och mer gestusella, inre rörelsen). Som alla verk i programmet den kvällen, Aska demonstrerade den kreativa överflöd som är möjlig när konstnärer håller entusiastiskt öppna sinnen för alternativa sätt att skapa och olika människor att göra med.
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
