Hee Seo i Jessica Langs 'Garden Blue'. Foto av Rosalie O'Connor. David H. Koch Theater, New York, NY.
23 oktober 2019.
Att röra sig, älska, äta, sova - det finns handlingar som alltid har varit grundläggande för att vara människa. Vi gör dem alla dock på olika sätt och har gjort det genom tiderna. Dans - visceral, berättande eller icke-berättande, oändligt estetiskt anpassningsbar - kan sätta en spegel för dessa upplevelser så att vi kan gå tillbaka och verkligen se dem. American Ballet Theatre (ABT) presenterade verk från tre olika koreografer i detta program, som alla uppvisade en annan syn på de grundläggande aspekterna av att vara mänsklig, från olika platser på den mänskliga tidslinjen, allt i rörelse. Resultatet var estetiskt och begreppsmässigt meningsfullt, både i att vara tankeväckande och roligt.
James B. Whiteside's Ny amerikansk romantik var full av glädje, lekfullhet och estetisk harmoni. Whiteside är en ABT-huvudman som börjar bygga en koreografisk portfölj och unik röst. Verket hade premiär först vid Vail Dance Festival 2019 (Vail, CO). Det var något ganska modernt med dess känslighet, men också något ganska klassiskt. Balansen mellan de två talade om att gå framåt i världen, men också hålla fast vid världens grundläggande sanningar och oss själva i den (individuellt och i relationer med varandra).
ABT i James B. Whitesides 'New American Romance'. Foto av Rosalie O'Connor.
Gardinen steg, och en färgpalett av lavendel och blues fick mig att känna mig mer fredlig och kontemplativ. Gruppen växte när dansare sprang på scenen, tills de träffade en formation med dansare som vänder framåt och stirrar uppåt framåt. De lyfte armarna till femte en haut - enkla, tydliga, beslutsamma. Gruppen upplöstes, en pas de deux var i centrum. En härlig harmoni av musik och rörelse spelas ut, till exempel en graciös förlängning av ett framben framåt i en hiss när musiknoten upplöstes just så.
steg ett på spanska
Ytterligare sektioner skulle komma och gå, ibland känns det som om de gjorde det lite snabbt för mig, ibland kan jag dröja kvar i ett avsnitt på lite längre tid och låta dess energi byggas och för publiken att lära känna det och njuta av det lite mer. Ändå hjälpte denna snabba skiftning också till att bygga upp temat och energin för att illustrera de unga, rastlösa och livliga. Whiteside formad härlig kanon och kontrast av nivåer för att främja den dynamiska känslan.
I synnerhet en minnesvärd ballerinatrio bjöd på dessa element, med en halv sväng - benet utsträckt 45 grader uppåt och framåt - dansat av de tre på tre separata räkningar, och senare en trevlig pose som hölls för några räkningar med dem vid låg, mitten och höga nivåer. Gest medförde dessutom en känsla av enhet ballerinor höll händer när de utförde låga pique arabesker, och tillsammans korsade handlederna från att hålla armar i femte en haut.
Även olika stämningar byggdes vid olika punkter, från musikens kvaliteter, rörelse och dansares teatralitet. En ballerinas solo bjöd på lite mer spunk och sass än arbetet tidigare hade erbjudit. En trio med två dansare och en ballerina var mjukare och lite mer kontemplativ. Tre dansare stod på scenen för att visa sin bravur och kraftfulla självförtroende. Alla dessa olika stämningar och synpunkter skapade ett fönster till de olika sätt som människor kan vara inom sig själva och tillsammans, rör sig i rymden. Till slut sammansattes en större grupp i cirkulär form och framkallade ett smidigt systems smidiga funktion även med alla dessa separata individuella och kollektiva sätt att vara - förflutna, nuvarande och in i framtiden. Allt kändes hoppfullt och upplyftande.
Jessica Langs arbete, Garden Blue , följt. På många sätt - estetiskt, energiskt, konceptuellt - kändes det som en Salvador Dali-målning väckt liv i dans. En del av ABT's Women's Flytta ment, ett program för att vårda framväxande kvinnliga koreografer, hade verket premiär den 19 oktober 2018. Det som först stod ut för mig var avlånga former som vilade på scenen samt att flyga över huvudet (scenografi av Sarah Crowner). Något om dessa talade till mig om de smältande klockorna i Dalis ikoniska verk. Bakgrunden i grönt, blått och vitt talade till mig om naturen.
Dansare hade uniformer i alla olika färger och hjälpte till att bygga mångfacetterad färgpalett en regnbåge dansade över scenen i större gruppsektioner med dansare spridda över den. De rör sig genom utrymmet och går i olika hastigheter. De började sedan röra sig med mer teknisk stilisering - i klassisk rörelsevokabulär, men ändå med smält, 'ooyey-gooey' förskjutningar genom överkroppen som påminner om ett mer samtida rörelseidiom.
Med tanke på denna rörelse tänkte jag på de krökta linjerna i samtida målningar. Off-center former fördes en spännande asymmetri. Arm- och benförlängningar slår musikaliska accenter på lockande sätt. Armar slog halvvägs och hela vägen upp tillsammans med musiknoter. En dansare snurrar sin sittande partner, tårna uppåt, som en längre ton spelas.
juliet doherty balett
Oavsett om de är gemensamma eller i mindre grupper av unison, hålls dansarna scenbilden rörande på dynamiska sätt.
En del av denna dynamiska handling var också hur dansare flyttade de avlånga spelbitarna från tid till annan och skapade en ny scenografi - och däri en ny visuell och energisk känsla. En annan del av den dynamiska handlingen här var hur timing och kvalitet skulle förändras tillsammans med tonala och tidsmässiga förändringar i musiken.
Inom dessa skift började dansare ta på sig personligheter och bli sina egna karaktärer. Små teaterstunder började spela. En av dessa dansare hade både vita och andra färger, vilket signalerade för mig en integration av dessa andra karaktärers kvaliteter. Även om det fanns spänningsögonblick som ledde fram till det, gav slutet harmoni och enhet inom gruppen - integrationen av denna karaktär spelades ut i tid och rum. De estetiska och energiska och estetiska parallellerna till Dalis verk band för mig till en modern tid efter världskriget, men aspekter av det var utan tvekan tidlösa. Den temporärt specifika, men ändå flytande kvaliteten verkar för mig vara en kvalitet av stor konstspecificitet gör den verklig, och flytbarhet gör att den känns mer universellt användbar.
dave bugliari
Gemma Bond En tid det fanns förde oss tillbaka till medeltiden, men om vi skulle titta på det genom modernfärgade glasögon. Dräkter var i jordtoner, medeltida stil men med samtida inslag. Belysning hade en jordfärgad nyans att matcha, som ljuset på sen eftermiddag på hösten. Benjamin Brittens poäng upprepade rytmerna och tonerna som vi associerar med medeltiden, till exempel en harmoni från ett cembalo - men modernismen sprang igenom i vissa atonala böjningar och liknande mer samtida element.
Cassandra Trenary och Cory Stearns i Gemma Bonds 'A Time There Was'. Foto av Rosalie O'Connor.
Precis som i de två föregående verken formade förändringar i energiska och estetiska kvaliteter atmosfär och stämning - med klarhet och intriger. Till exempel upplöstes en dramatisk, vidsträckt öppning till något mjukare som känslan för en sekvens av mindre grupperingar. Karaktärer började utvecklas genom teatermoment, också som i det tidigare arbetet. Gest hjälpte till att skapa dessa ögonblick, medan mer tekniskt ”stora” och traditionella rörelser - som expansiva hissar som smidigt rullar i golvet eller landar i en vackert lyft arabesk - upprätthöll dynamisk energi och visuell intrig.
Ändå tyckte jag att det här arbetet resonerade mindre än de två tidigare verken. Kanske specificiteten i tiden försämrade faktiskt min upplevelse av det, konstigt nog tyckte mitt sinne att fylla i blankorna snarare än att få hela texten. Intressant nog tycktes Bonds slut erbjuda tid för en sådan kontemplation på en personlig tolkning som dansarna lämnade, en efter en, men scenen var fortfarande tänd och gardinen föll.
Med vad kan våra sinnen fylla i scenen vid den tiden, färgat av vårt perspektiv på vad som just hänt där? Hur kan dessa perspektiv relatera till vad vi föreställer oss karaktärerna vi just träffade, och hur mycket för oss själva - och gemensamheten mellan de två? Dans i rymden, i tiden - förflutna, nutid och framtid - kan föra oss till en sådan reflektion, ofta på just de saker som gör oss mänskliga. ABT: s program i kväll gjorde denna sanning obestridlig.
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
