Av Rebecca Martin.
Prata om att öppna en burk maskar. Med utgivningen av Jennifer Homans bok Apollo's Angels , som kartlägger balettens historia, har kommit en massa debatt om epilogen som ingår i slutet av boken. I det föreslår Homans att baletten är antingen död eller döende. Ett sådant uttalande kommer säkert att inspirera till svar från balettälskare, dansare och studenter, oavsett om svaret är en klok nik av överensstämmelse eller en rasande motbevisning.
'Efter flera års försök att övertyga mig själv', säger Homans, 'Jag känner mig nu säker på att baletten dör.'
Kärnan i Homans argument handlar om tanken att bitar som George Balanchine Roligt nr 15 har blivit triviala och har inte längre förmågan att flytta publiken. Medan många konstverk misslyckas med att överleva tidens gång, i fallet med klassisk balett och moderna balettstycken som har pågått i årtionden och fortfarande framförs och njutits till denna dag, är det inte verket som har blivit trivialt. Det är publikens exponering för nyare verk, ökad teknik och mer imponerande iscensättning av produktioner som har förändrat vårt sätt att se på de äldre verken. Koreograf, dansare, balettmästare och regissör Robert Kelly säger, 'att säga att balett är döende är detsamma som att säga' klassisk musik är passe 'eller' surrealism är död '. Det är en konstform med ett underbart arv och en rik historia ”. I själva verket, precis som populära låtar eller modeförklaringar som var en stor hit vid släpp och nu är en källa till förlöjligande och mestadels glömts bort, kommer många balettstycken att prisas vid premiären och lika snabbt avfärdas från minnet. De kommer att bli daterade och trite. Inte varje produktion blir en klassiker och inte heller kommer varje föreställning att bli minnesvärd.
Australian Ballet framför The Possibility Space av Nicolo Fonte. Foto Jeff Busby
Australian Ballet's Artistic Director David McAllister känner att baletten lever och har det bra. ”Det finns så många företag runt om i världen som skapar en myriad av nya verk som utforskar baletttekniken och använder den på helt nya och innovativa sätt. Produktioner av balettkanon från 1800-talet uppdateras och presenteras med hjälp av teknik och tekniker från 2000-talet på ett sätt som sprider nytt liv för dagens publik. Unga dansare går fortfarande med i balettklasser runt om i världen och dans ses av en ständigt växande publik tack vare en onlinevärld av Facebook, bloggar och Youtube. ”
skådespelare som kan dansa
Teknik gör det möjligt för mindre projekt att komma igång, få exponering och finansiering. Där en gång sågs balett som en aktivitet för överklassen och underhållning för eliten, når balettföretag ut till yngre publik och rör sig med tiden. Men de höga kostnaderna för att se ett stort balettföretag är utom räckhåll för många familjer, studenter och vuxna.
Homans försummar att peka sin bedömning av balettens vitalitet till dagens produktioner som är imponerande publik, utmanar dansare och står upp för att upprepa föreställningar. Beviljas, det är för tidigt att säga om många, om några, av dessa bitar kommer att bli klassiker och kommer att säkerställa konstformens livslängd. Hon avfärdar samtida verk direkt som 'gymnastiskt eller melodramatiskt överflöd', vilket tyder på att bara gamla tutuballetter har någon plats i det nuvarande klimatet. En sådan åsikt låter väldigt mycket som samma kritik som kastades mot tidig rock and roll eller Allen Ginsbergs revolutionära dikt Tjut. Banbrytande konst kommer alltid att ha sina kritiker och det kommer alltid att finnas ett element av anpassning när dansen går framåt. Bäst gör det än att förbli stillastående och bleknar i glömska.
Visst är balett en strukturerad konstform och det kan bara finnas så många variationer innan den slutar vara balett, medan andra former av dans som hiphop eller jazz kan ta många olika former och förbli trogna till sitt ursprung. Detta är inte en kritik, snarare en observation. Ballettens struktur gör att den kan förbli konsekvent över tiden och inte kommer att bli offer för upplösning. Med detta sagt, för att hålla nya och yngre publik som utsätts för ett så stort utbud av underhållningsmedier som är intresserade av balett, är det viktigt att konsten omfamnar teknik och använder dess olika former för att engagera människor. När våra attityder förändras gentemot underhållning, så måste även underhållningen utvecklas. McAllister ser att baletten fortsätter att ”utvecklas och utvecklas för att återspegla den miljö vi lever i. I varje generation finns det människor som innoverar och ger nya idéer och ny energi till baletten. Deras verk ökar kanonen och deras mästerverk blir framtidens klassiker. Även om det är viktigt att upprätthålla och presentera de stora verk från det förflutna som är grunden för baletten, är det lika viktigt att utveckla och vårda koreograferna i dag för att hålla utvecklingen av vår konstform vital och levande! '
Julie Kent och Marcelo Gomes från American Ballet Theatre i Romeo och Julia. Foto Rosalie O'Connor.
Balettföretag använder mer modefokuserad reklam med ljusa färger och en kantig uppfattning om en klassisk tradition. För ett par år sedan hade San Francisco Ballet bilden av två dansare som kysser på baksidan av en konvertibel bil på sina reklamaffischer. Många barer och butiker satte upp affischerna, vilket för dem var den första dansaffischen de någonsin hade visat. Den australiska balettens dansare kan ofta ses mellan modemagasinernas sidor, liksom sport och andra publikationer. Tanken är att presentera balettdansare som sexiga, vitala och moderna, i motsats till den föråldrade bilden av dem som täppta, endimensionella och gammaldags.
Trots detta har baletten fortfarande begränsningar i detta moderna klimat. Som Sarah Keough från Washington Post skriver, ”tynger pengaproblem på balett som en sten runt halsen: löner, hyra, dräkter, tåskor, försäkringar, musiker, förvaring och så vidare. Skuld är en stor faktor i all konservativ programmering där ute. Men huvudproblemet är detta: baletten lider av en allvarlig brist på förtroende som bara växer mer och mer förlamande. ” Hon fortsätter med att säga, ”det finns inget tråkigare än säker, vacker konst. Ingenting känns mindre relevant. Baletten måste tänka större. Ja, pengarna är snäva, men baletten här har hamnat i trubbel genom att sträva efter operahusets prestige utan de mer stabila budgetarna från sina europeiska motsvarigheter. För att överleva in i framtiden tror jag att det genomsnittliga balettföretaget skulle göra det bättre att minska, sträva efter spänning, röra i potten - och släppa balettarna i full längd, vilket är bättre för de få större, rikare operationerna.
Alexei Ratmansky repeterar med New York City Ballet. Foto Paul Kolnik
Det är dock inte allt undergång och dysterhet för balettälskare. Med bland annat koreografer som Twyla Tharp, Christopher Wheeldon och Alexei Ratmansky som skjuter balettens gränser och skapar verk som blandar abstraktion med klassiska linjer förblir balett en levande, andande konstform. En uppenbar utelämning från Homans bedömning av modern balett är den amerikanska koreografen William Forsythe som vände baletten på huvudet i slutet av 1900-talet och utmanade dansare tekniskt och publiken intellektuellt.
Folket säger till oss att balett är lika viktigt och populärt som någonsin. McAllister säger att publiken för The Australian Ballet växer varje år, med prenumerationsräntorna som högst de har varit sedan början av 1990-talet.
Landestheater Coburg balettmästare och internationell dansare Griffin Doug föreslår att balettpulsen är stark i Europa. ”Jag ser (balett) som den enda” högkonst ”som man kan lita på för att få konstanta hus. Med undantag av välkända musikaler är dansprogram normalt det säkraste alternativet för en teaterintendant. Hus får inte säljas ut varje kväll men föreställningar under en säsong så säljer danskvällarna fler platser än andra föreställningar. För McAllister, 'handlar det inte bara om sittplatsnummer (utan) mer om att ge publiken en hel balettupplevelse.'
Som Doug påpekar, har balett den viktiga tillgången att vara ett universellt språk som gör det möjligt för en produktion att korsa världen utan kommunikationshinder. Och som alla dansare kan intyga kan en balettklass tas på vilket språk som helst i världen med liten eller ingen förvirring. Danspråket är detsamma vart du än går. ”Av alla genrer för liveframträdande är balett den mest anpassningsbara för att förändras. Dans utförs lätt i stora och små husinställningar, även i improviserade och noggrant repeterade produktioner. Dans kan utföras med full symfonikompanjemang, men accepteras också av publiken med förinspelade ljudspår. Långt ifrån att vara en döende konstform eller en museumskonstform är dansen levande och frisk. Det är den mest anpassningsbara konstformen med den bredaste publikbasen. ”
Baletten i sig är grunden för alla andra former av dans. En jazzdansös med klassisk teknik är oftast inte långt överlägsen någon utan balettutbildning, och detsamma kan sägas för musikteater, cabaret, tap och till och med hiphopdansare. Med den ökade populariteten för dans tack vare överflödet av tv-program, filmer och filmklipp som visar den breda överklagandet, mångfalden och skickligheten inom konsten, går balett inte bråttom.
Toppfoto: Aurelie Dupont & Herve Moreau från Paris Opera Ballet. Upphovsrätt Anne Deniau
