När jag tog bort mina tappskor och satte mig ner för att skriva den här artikeln tänkte jag: 'Vad är det viktigaste jag vill att mina läsare ska få från den här artikeln?' Självklart skulle jag önska att ni alla skulle bli kär i tapdans. Jag vet, jag vet, det är ganska högt mål, men kanske om du skulle få en stående ovation med en kranbit, kommer du att omfamna kranen med en hälsosam respekt. Det är en riktigt amerikansk genre (nu dansad över hela världen), och det är en glädje och en utmaning att skapa musik medan du dansar. För att citera en gammal fras: 'Det är en njutning att slå fötterna!' Det är mitt personliga hopp att vi i stället för att återvinna kranen från det förflutna kan behålla det som är värdefullt från svunna tider och försöka ta kranen framåt på ett effektivt, energiskt och underhållande sätt.
En av dina första överväganden är att bedöma syftet och demografin för den föreställning som verket kommer att framföras för. Är det en konsert, ett skäl eller en kommersiell miljö (till exempel ett showroom eller en nöjespark) eller en tävling? Och vilken typ av publik skulle du ha: 60 personer, eller 600 eller 2000? Och vad är åldersspänningen? Dessutom är stycket en solo, en liten grupp eller en större produktion? Alla dessa överväganden kommer att vägleda dig när du fattar ett av dina viktigaste beslut - ditt val av musik.
Coppola Rhythm Ensemble. Foto av Sergio Minero.
När du väljer musik bör du välja musik som din publik kan relatera till, som de kan fästa vid och njuta av spåret med dansarna. Det betyder inte förutsägbart att det är bra att ha några överraskningar eller höjdpunkter i stycket, både hörbart och visuellt. Ditt enklaste övervägande när du väljer musik är: Kan publiken höra kranarna? Och det betyder hela vägen längst bak på teatern. Musik som är för tungt orkestrerad kommer att kväva kranarna. Kolla också in akustiken i teatern. När jag förbereder dina dansare antar jag att krantekniknivån är tillräcklig för att stödja koreografin. Unga dansare bör vara i en klass som innehåller en hälsosam dos teknik. En klass som bara arbetar med en rutin förkortar dansarna de får mindre substans att sätta i en dans.
Spanska balettdansare
Som domare ser jag ofta kranar som innehåller flera dansare som inte utför alla ljud. Se till att varje dansare kan göra stegen ensam och a capella . När du sedan sätter ihop dansen igen blir den starkare.
När du väl har valt din musik, lyssna på den om och om igen innan du koreograferar så att du effektivt kan använda fraserna och accenter i din koreografi snarare än bara koreografi åtta. Om du skapar ett a cappella-stycke måste du borra dansarna för att hålla tiden, det finns i allmänhet en tendens att rusa, vilket är mycket oroande för publiken. Musikalitet är koreografens och dansarens mål. (Utmana dig själv med musik på andra mätare som 6/8, 3/4, 5/4, 9/8, etc.)
Så nu när du är gift med musiken är det klokt att skapa ett tema - en serie steg eller en fras som kan kännas igen när den repriseras. Det är styckets signatur, och det bör ta tag i publiken både hörbart och visuellt och visa bitens karaktär. Tap's musikalitet kan tillämpas på många stilar, från traditionell hovning till latin, till rap, till blues, klassisk, till rock och showlåtar.
Sheena parveen Wikipedia
Några detaljer:
- Unison: underskatta aldrig värdet av unison. Ett bra steg i perfekt synkronisering är mycket tillfredsställande för människor. Det är en värdefull teknik att sprida ut olika rytmer och återvända till en dynamisk punch. En hel dans som görs tillsammans kan vara tråkig.
- Canon: Canon, eller att presentera rytmer i en runda, kan vara mycket effektivt. Det fungerar för duon, grupper och linjer. Låt flera av dansarna starta en koreografisk fras, och låt de andra dansarna sedan starta samma fras senare. Hur mycket senare? Åtta räkningar är ganska säkra, men fyra räkningar är mycket effektiva (förutsatt att musiken är i rak eller 4/4, tid). Om du bara separerar med två räkningar, kan det låta som ett misstag för publiken, som en ojämn enhet.
- Kontrapunkt: Detta hänvisar till två rytmer som låter samtidigt. Canon producerar automatiskt kontrapunkt, men du kanske vill skapa två olika tryckidiom som kompletterar varandra. Var försiktig - om stegen är för upptagen låter det bara rörigt. Lämna utrymmen. Enstaka ljud är värdefulla.
Tap är konversation. Precis som verbalt språk behöver det böjning, orsaker, skiljetecken och betoning. Låt det inte bli en pågående mening.
- Handlingar: Så om kranen är konversativ, lämpar den sig fram och tillbaka som i fråga och svar. En bokstavlig handel skulle vara där en dansare (eller grupp) fastställer en rytm, och den andra gruppen upprepar rytmen verbatim, vanligtvis handlar antingen åtta eller fyra räkningar. Ett mer konversationssätt är att variera den andra rytmen (svaret). Ofta försöker den andra rytmen överträffa den första.
- Kompletterande ljud: Det är en fin taktförändring att kasta in andra ljud som klappar, snaps, skrik och ljud gjorda av rekvisita eller olika ytor. (Effektiv användning av pjäser och rekvisita kan fylla en hel artikel av sig själv.)
- Dynamik: Jag kan inte låta bli att märka bristen på dynamik (volymgrader). Det tar mer än bara att ”slå ut steg”. En cappellakran är ett utmärkt tillfälle att använda mycket mjuk och tyst koreografi, det kommer att tvinga publiken att lyssna noga. Då kan du komma tillbaka med något aggressivt. Kontrast är mycket värdefull musikalitet.
Coppola Rhythm Ensemble. Foto av Sergio Minero.
Det är också effektivt att kontrastera skillnaden mellan direkta rytmer (på takten) och synkopierad (off-beat). Eftersom kranljud mestadels är staccato, kan du få ihållande ljud med en myriad av bilder och nervkranar som används som en trumrulle.
- Det visuella imperativet: Om du har flammande snabba fötter (du kan starta bränder på golvet med fötterna) räcker det inte! Snabba eldljud kan vara imponerande, men utan att något visuellt händer kommer publiken att bli uttråkad snarare än senare (för att inte tala om att publiken kanske inte tar tag i de nya uns i en oskärpa av ljud). Vi lever i en tid då, på grund av teknik, snabba klipp och redigering, och sociala medier, människors uppmärksamhet och vår koncentration och fokus kommer att följa det som rör sig. Men innan du går in på scenen är det klokt att titta på den enskilda dansarens visuella energi. En dansare med hög energi bör få överkroppenergi genom att 'sälja steget' - lägga tonvikten på kroppen, armarna, om inte specifika, brukar följa vridmomentet i torso. Jag är väldigt lycklig att min pro-dansare i min kranensemble här i Las Vegas är hög energi jag sällan behöver koreografera port de bras (armrörelser). Detta bidrar till känslan av en 'sylt'. Det är en fördel om dansarna känner till andra genrer, och det återspeglas ofta i deras vagn och portbras. Överkroppsrörelser i huvudet, armarna och överkroppen kan hjälpa dig att betona och ta upp accenterna i musiken. Användning av nivåer betyder inte bara nivåer av uppsättningen. Den enskilda dansaren kan använda golvet och luften för att skapa nivåer.
En av de saker jag har sett när jag bedömer som verkligen får mig att krypa är att knacka med händerna bakom ryggen. Även om du kanske tror att det låter dansarna koncentrera sig på fötterna och ger det enhetlighet, subtraherar det all energi i överkroppen och kan bli en dålig vana. Det blir svårare att bryta den vanan när du behöver port de bras. När jag ser händerna hållna bakom ryggen ser det ut som om dansarna blev fångna under sin tapdans. En av mina kollegor hänvisar faktiskt till det som ”fångkran”.
helvete på hälarna tidningen
- Mixed Genre: Vi berörde ritning från andra genrer. Jag önskar att mina elever inte bara tänker på sig själva som tappare utan som kranar dansare . Ju mer mångsidig och väl avrundad du är, desto mer val har du att skapa effektiv, dynamisk kran. Att kombinera dansformer ger dig många alternativ och fångar publikens intresse. Jag hade framgång för flera år sedan att kombinera en gjutning av balettdansare och tapdansare som kompletterar varandra och integrerar motiv. Vi befinner oss i tiden för hybriddansformer, så ta en chans. Rör om en kruka med 'danssoppa'.
- Iscenesättning: Om du har skapat stegen, kroppslinjerna och matchande portbras som komplimangerar din musik, är det nu dags att iscensätta det: att flytta kropparna runt för att skapa mönster, vinklar och förbättra verkets energi. Under decennier tidigare stannade dansare i en viss formation längre än nu. Vi diskuterade publikens kortare uppmärksamhet, så det är modernt och effektivt att byta position oftare. Hur och när och varför är konsten att iscensätta det finns så många val. Du kan flytta dansarna nedåt, uppåt, i sidled, diagonalt och upp och ner för nivåer. Genom att flytta dansarna menar jag att dansa dem efter mönstret - inte gå eller marschera dem dit. Dess dansa , inte borrlag eller militärkår. Uppenbarligen ger diagonalen dig ett längre pass (och ger mer intressanta vinklar i kroppen). Opposition, dansare som rör sig i motsatta riktningar, skapar ett enkelt och effektivt val. Att iscensätta dansarna i par lämpar sig för sådana verktyg som att ha de två 'do-si-do' runt varandra och komma tillbaka till sin ursprungliga position. När du väljer steg som reser måste du få dansare på fotkulan så att de kan 'flyga' som sprinter.
Vid det här laget är det värt att nämna att om det finns rekvisita i din dans, se till att dansarna kan hantera dem graciöst utan att något ser klumpigt eller besvärligt ut. Om rekvisita är stillastående kan det fungera för att skapa vägar in och ut, runt, över och under och ovanpå rekvisita. Detta kan också ge dig en variation i tonhöjden för de ljud som stegen lägger ner.
- Prestanda: Jag hoppas i en framtida artikel att diskutera värdet av teatern. Alla element för att skapa en effektiv och underhållande kran måste naturligtvis utföras maximalt, med koppling till publiken, stark och lämplig karaktärisering med artister som relaterar till varandra och befaller scenen ... och förpackade i en magisk immateriell kallad stil !
Av Tony Coppola från Dance informerar.
hodgetwins föräldrar
Tapmästaren Tony Coppola är också en tidigare amerikansk gymnast och slagverkare. Han har undervisat vid kongresser och bedömt tävlingar i flera decennier. Tony regisserar och koreograferar det Las Vegas-baserade Coppola Rhythm Ensemble.
Foto (överst): Coppola Rhythm Ensemble. Foto av Sergio Minero.
