Recensioner | April 2024

Dolly Sfeirs 'Multiple Personalities'.

17 september 2020.
Online via Social Distancing Festival.

'Less is more' är en gammal maxim i konst (och i livet) människor har bara så mycket sensorisk, mental och emotionell bandbredd, och att vara avsiktlig för att använda den bandbredden gör oftast den roligaste och mest meningsfulla konsten. År 2020, mitt i en global pandemi, gör särskilt två krafter denna idé ännu viktigare. För det första en spärr av digitalt innehåll kombinerat med otrolig osäkerhet om riktningen i vårt liv kan kännas överväldigande . För två samtidigt påminner kloka röster oss om att det här kan vara en tid att sakta ner, reflektera och omvärdera vad vi vill ha i vårt liv och vad som är viktigast för oss.

Vad betyder allt detta för dans? Med den sorgliga och ibland frustrerande utmaningen att inte kunna ansluta sig till att uppträda och ta in dans i stora samhällen har dansartister blivit kreativa om var, vad och hur de presenterar arbete. När vi utforskar ny terräng om hur vår konstform ser ut och känns, verkar 'mindre är mer' nyckeln. Pizarts dansfilm, Rött mellan linjerna , under den kreativa regi av Zoe Rappaport, exemplifierar detta tillvägagångssätt genom ett enkelt och tydligt tema (den mycket stämningsfulla röda färgen), en kort presentation i en tydlig struktur och det bästa av trånga utrymmen.

Ett samtal efter showen tillförde extra sammanhang till var och en av de sex presenterande artisternas en minuts dansfilmer - varför deras tillvägagångssätt intresserar dem, hur det utvecklades, hur den kreativa processen var och mer. Arbetet skulle äga rum på scenen på Ailey Citigroup Theatre i juni, men måste skjutas upp på obestämd tid på grund av COVID. De sex artisterna kom alla överens om att skapa en minuts dansfilm i stället för en prosceniumföreställning, som de sköt under pandemin. Öppningens bilder i en visuellt uppmärksam design med en röd bakgrund och vita bokstäver delar detta bakgrundskontext.

Darrell 'Friidom' Dunn's Meddelande börjar med att Dunn sitter, korslagd, hans mentala och fysiska fokus är påtaglig. Den ljusröda skjortan mot en mörkare bakgrund har en liknande intensitet. Troligtvis resultatet av noggrann filtrering och andra filmredigeringsmetoder är det tydligt och effektivt. Vi hör låga toner och en djup kvinnlig röst i partituren, och Dunn börjar röra sina händer med kontroll och skicklighet. De rör sig ut och sedan in och gester. Bilder som stegar och två enheter möts är avkodningsbara och fascinerande.

plats för broadway danscenter

Dunn kommer för att röra sina händer i en cirkulär form som om han håller en boll - till och med en boll av energi - i sina händer. Hans fokus och intensitet förblir fängslande. Röstens ord lägger till ett mysterium, till och med chock - kvinnan beskriver mänsklighetens slut och behovet av att gå samman för att agera. Det känns som något ur science fiction (hon hänvisar till 'astronomer' med en förmåga att förutse förutsättningar om den mänskliga civilisationen, till exempel).

Det röda av filmens tema är ganska passande här, det är en färg av larm och varning (stoppljus, sirener, lampor från larmsystem). Fortsätter med stämningsfulla gester, han gör små rörelser som två fingrar som rör sig ovanpå handen för att förmedla handling. Behändigheten och lättheten i hans händer, mysteriet i luften och den visuella intriger har mycket rikedom på en minut. Mot slutet bleknar den röda skjortan till svart. Han tar händerna genom en bönposition och slutligen nedåt ur kameravinkeln när han böjer huvudet. Det är som om han har lämnat denna avgörande varning och uppmanar att förena sig i handling, och nu är den klar.

I en tid som kan kännas som kaos kan en form av katarsis höra om en kamp i någon värld, någon annan tid, av fantasi och fantasi. Hur mycket gäller det nu? Hur mycket behöver vi förenas för att undvika att det civila samhället kollapsar? Det är fortfarande en fråga för tittaren. De sista ögonblicken i filmen tycks uppmana betraktaren att åtminstone vidta reflektion medan han tittar på sina rörliga händer sedan början, här ser han direkt ut mot betraktaren när kameran kastar sig bort.

Linda Mason's Återfödelse har röster som ligger över två dansare som målar sig i rött och rör sig. Mysteriet känns tjockt i luften. En bas av röd färg har snart vitt över ögonen (täcker tempel, ögonbryn och en del av näsan). Det finns en knappt hörbar kvalitet på rösterna, vilket ökar mysteriet. Fraser som jag kan dechiffrera som 'om vi var tvungna att stanna hemma i en månad' och 'Jag hade torr hosta' grundade mysteriet under COVIDs tid. Andra ljud, som en gitarr och en kyrkorgel, bidrar till kakofonin.

Och då slår det mig - kakofoni är vad som händer här. Under en tid med miljontals röster i nyhetsnätverk, publikationer och sociala medier kan alla rösterna på en gång kännas som kakofoni. Att hävda sin röst om frågor som påverkar oss alla är viktigt och meningsfullt, men upplevelsen av alla som gör det samtidigt kan verkligen kännas som mycket . Det kan få dig att kasta bort dina enheter och springa ut i naturen och kanske till och med måla dig själv med livfulla färger i en handling av rå, eldig kreativ energi - som dansarna här gör. På teknisk nivå påminner arbetet mig också om hur med film och stödjande teknik, vad dans kan vara är mer gränslös än någonsin. Estetiskt är det inte min favoritstrategi att uppleva, men innebörden är stark.

Dolly Sfeirs Flera personligheter kommer nästa. Den har en klassisk känsla och postmoderna element samtidigt, en gammal skola-fysisk teaterkänsla och musik från 50-talet möter moderna anpassningar. I showens tema ligger ett rött filter över Sfeir. Samtidigt ger hennes studsariknande rörelse en nypa zaniness. Då blir en kvinna tre, alla samma: en vid dörren, en i soffan, en i köket. Detta val får mig att tänka på när vi säger ”en del av mig (känner, tänker, etc.)” det kan finnas konkurrerande krafter i vårt sinne och kropp. Med ett dynamiskt tillvägagångssätt ger Sfeirs verk mat till eftertanke, estetiskt nöje och helt enkelt kul.

Damani Pompey's Bedragare har en overhead-kamera med det röda filtret på några av bitarna. Vi ser dansaren Kar’mel Small röra sig i ett trångt utrymme, så mycket som det är möjligt. Att nå högt, böja sig, vända, det är en känsla av att denna begränsade plats är ett privat helvete. Ett handfat och olika personliga föremål ger det en känsla av ett vardagsrum, om det är något vanligt och osmyckat. Jag kan föreställa mig att monotonen på denna plats är daglig upplevelse och existens.

Poängen är något atonala elektroniska toner. Det tillsammans med den bundna, spända kvaliteten på Smalls rörelse ger verket en skräckfilmkänsla. Under denna tid av COVID, medan vi alla spenderar så mycket tid i inneslutningen av vårt hem, är filmen säker på att den är relatabel och relevant.

Martina 'Android' Heimann's Distraktion kommer nästa. Hon bär vitt, täckt med showens röda filter. Hennes långa hår är halvt upp och ger en känsla av glamour. Kameravinkeln skiftar till overhead när hon snurrar. Det finns en flickaktig glädje närvarande, en som kan visas i livet för även kvinnor i 30- eller 40-talen - helst så!

Hon rullar kroppen, ser sig själv i spegeln och ryggar mot dörren. Vi ser hennes pointe skor, en tå sprang glamoröst. Dessa ögonblick - kanske före ett datum, kanske på en kväll med att bara känna sig självsäkra - är en del av vissa kvinnors liv och kan vara en del av varje kvinnas liv om våra sociala strukturer och värderingar stöder det. Ändå är hennes utrymme också litet, vilket vittnar om motståndskraften och glädjen som vissa kan finna även inom inneslutning.

Rappaport's Konst vs galenskap är det sista stycket. Kameran filmar henne uppifrån och går från att lägga sig och stå. Det verkar vara ett kreativt utrymme, med målat papper och andra konstnärliga material som ligger runt. Ibland ryckig, ibland flytande, verkar hennes rörelse uttrycka många olika känslor och fysiska upplevelser. Hennes armar, som gör mycket av rörelsen, blir fokuspunkten för energi i rymden. Partituret, en slags långsam och själslig R & B-låt, har djup men också på något sätt en känsla av lätthet och hopp.

Det är en härlig känsla att avsluta filmen med. Rappaports arbete känns som en folie till Pompeys även små utrymmen kan rymma glädje, fantasi och kreativitet. Att fördjupa den känslan, eftersom filmen slutar vit text över en röd bakgrund säger 'endast vårt fysiska utrymme kan vara begränsat // fantasin är och kommer alltid att vara gränslös'. Under den här tiden är det ett viktigt, bemyndigande och sant budskap för dansvärlden och långt bortom den.

Låten som följer med Rappaport fortsätter när krediterna rullar och fortsätter att dela lätthet och hopp. Det är något vi kan komma ihåg långt bortom att se det här sex minuters film - och vara starkare, mer fantasifulla och mer glada på grund av det. Sex minuter och ett tydligt, fokuserat tema kan skapa det. Mindre kan verkligen vara så mycket mer.

Kolla in liveströmmen och diskussionen efter showen här .

Av Kathryn Boland från Dance informerar.