Recensioner | Maj 2024

Brooklyn balett.

Actors Fund Theatre, Brooklyn, NY.
13 februari 2020.

I denna post-postmoderna tid firas och kritiseras både det moderna och det klassiska. Alla stilar och kvaliteter är rättvist spel för att utforska. De konventioner och värderingar som klassiska och moderna verk avslöjar - vare sig de presenteras tillsammans eller var för sig - talar om frågor som representation, privilegium och makt. Vi kan se hur vår kultur har förändrats och utvecklats och hur den inte har gjort det. Brooklyn Ballet's Revisionistisk historia II talade djärvt på dessa sätt genom koncept och andra kreativa val.

marcia suzanne lawler

En restaging av det ikoniska Inte fyra presenterade fyra kvinnor i färg (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer och Courtney Cochran), ett kraftfullt uttalande om representation och ras i balettvärlden och bortom den. Därefter kom en kvartett med fyra män i färg som dansade olika stilar av hiphop - ungefär lika olika från det ursprungliga romantiska balettarbetet som man kunde få medan man fortfarande var i samma struktur. Natten stängdes med Genomskärning , ett verk som talar till det moderna urbana tillståndet med konstant rörelse och brist på sann gemenskap - samtida balett med en solid klassisk bas.

Inte fyra började i den arketypiska tablån - nivåer, blickar och portbras som underbart är utformade för estetisk harmoni samt en balans mellan anslutning och ensamhet för varje dansare. Dansarnas engagerade fokus var omedelbart tydligt. Deras dräkter hade samma tema (i färg, designstil, material), men varje dansare bar något något annorlunda - vilket gav var och en ett konkret tecken på individualitet.

De gick igenom solo-, duett- och gruppsektioner, alla med sin egen rörelsekvalitet och estetik. En dansare var särskilt mild och tydlig. Man kom med en känsla av fokuserad, accentattack. En annan hade en på något sätt mjuk känsla av grundighet. Ännu en annan hade en tydlig jovial, kuslig närvaro och en spräcklig rörelse.

Det var flera skakningar i varv, och jag undrade om koreografi kunde ha ändrats för att förhindra detta. Det försämrade den härliga klassiska koreografin och oföränderliga närvaron hos de fyra dansarna. Å andra sidan berodde det kanske på platsförhållanden - som till exempel ett halt golv eller belysning som gjorde det svårt att upptäcka.

På det hela taget erbjöd dock dansarna djärv, hård individualitet såväl som harmonisk nåd. De var helt anpassade till sin grupp och sina partners. Jag kunde höra deras pointe skor över scenen. Den strikta tekniska undervisningen säger att du inte vill höra det, men denna effekt erbjöd ett annat hörsellager som jag tyckte om. Alla formationer var strukturellt tydliga och visuellt roliga.

Arbetet slutade på en tablå, som det började - de fyra kvinnorna som sina egna unika andar men i glada, harmoniska samhällen med varandra. Jag reflekterade över bildens kraft här, fyra kvinnor i färg dansar i ett ikoniskt verk, den ikoniska naturen speciellt vit. Jag undrade vilket barn av färg - eller person av färg i alla åldrar, för den delen - som kom till showen för första gången skulle kunna se sig själva i balett och bli inspirerade att själva sätta på balettlägenheter.

Kvartett följde det med koreografi från dansarna och konceptet från Lynn Parkerson (Brooklyn Ballet's Artistic Director). Fyra män i färg (Michael “Big Mike” Fields, James “J-Floats” Fable, Bobby “Anime” Major, Ladell “Mr. Ocean” Thomas) dansade i en struktur som liknar Inte fyra - var och en i sin egen signatur under det större paraplyet av hip-hop-rörelse. Man rörde sig i en 'böjande' stil, böjde och placerade fogar på ett sätt som inte verkade mänskligt möjligt. En ”poppade och låste”, accentuerade med styrka och släppte sedan. Ytterligare spända muskler i bröstet, skinkorna och armarna på komiska, lättsinniga sätt, vilket fick publiken att skratta. Ännu en annan hade en mjukare, mer lyrisk stil, som vinkade smidigt och flödade genom sina leder med beats.

Intressant, Inte fyra översätter från franska till Kvartett . De började och slutade i en tablå av olika nivåer och former, precis som den tidigare biten hade. Som en variation på avsnitt i Inte fyra när dansarna borrade runt i en cirkel, vänd utåt, gjorde männen detsamma men på plana fötter och alternerade nivåer med armarna böjda vid armbågarna (vilket var visuellt och energiskt tilltalande) . Musiken började och slutade med samma poäng som Inget Qu till rte , men mellan 'R & B' och hip-hop låtar följde dansarna.

Det fanns också mer humoristiska och teatraliska ögonblick i detta arbete än i det tidigare stycket, vilket understryker den ökade platsen för öppen teatralitet i modern, post-modern och post-post modern dans. Men som det tidigare stycket ifrågasatte det kraftigt klassiska och sociala uppfattningar om danskonst genom att erbjuda ett trevligt, väl gjort alternativ - förutom att vara i en mycket liknande struktur.

Genomskärning följt, ett tankeväckande och väl utformat arbete om det moderna urbana tillståndet med konstant rörelse och brist på äkta mänsklig koppling. Parkerson koreograferade detta arbete. Dansare kom in och lämnade, skiftade genom parade sektioner. Ljud av meddelanden från MTA (New York Citys transportsystem) ringde genom teatern. Dansare hade stiliserade vardagskläder, var och en i en lite annan outfit (dock med några liknande bitar och mönster). Alla dessa val och kvaliteter sammanföll för att bilda en illustration av människor som rör sig snabbt och snabbt i ett stadsrum.

Kvinnorna hade pointe-skor och dansade i en mer klassisk stil, medan männen dansade i mer hip-hop-stil. Parkerson uppmanade till linjära aspekter i båda rörelsestilarna för att skapa övertygande partnerskap - som ett motiv av män med armarna rakt ut som stöd och deras partners arabesqueing bakom sig. Vid andra tillfällen flyttade de sina torsos genom rutor som männen också gjorde med sina armar. Ett annat minnesvärt motiv var partners som möter varandra och kvinnorna rullade upp till full pointe och sedan tillbaka till platt - enkelt men rent, spännande och minnesvärt.

Dansarna fortsatte att röra sig genom olika formationer och grupperingar, de MTA-intercom-meddelanden spelade intermittent. När de inte var, följde live cello (av Malcolm Parson) och trummor (av Killian Jack Venman) dansarna. De resonanta tonerna på dessa instrument förde en känsla av något djupare under den yttre presentationen av pendlare i liv och rörelse och de otaliga sensoriska stimuli som finns för stadsbor när de pendlar.

Dansare lämnade individuellt och i grupper, och lamporna slocknade. Arbetet slutade, men det hade lämnat en ny vibration i rummet. Klassiska och moderna element i betydelse och estetik hade tillsammans verkligen satt ett intryck. Vi kan hedra det förflutna medan vi arbetar för att rätta till dess skadliga fel, så gott vi kan. Konst kan vara en plats att börja med.