Ayalis i rörelse. Foto av Beccavision. New York Live Arts, New York, NY.
19 januari 2020.
Myt, legend, kärlek, förlust - dessa stora teman är en del av kulturell tradition, den tradition som lever i vårt kött bär vi lättheten och vikten av sådan tradition i vår kropp. I Pythagoreiska ärtor , Ayalis in Motion undersökte och illustrerade dessa dynamiker i djärva rörelser, teatersekvenser, effektiv användning av rekvisita och eftertänksamt matchade poäng. Ayako Takahashi är gruppens grundare. Jill Pajer var biträdande regissör. Verket påminde mig om hur mystisk och vackert odefinierbar danskonst kan vara, det kan bli på hur mystiskt och vackert obestämbart vi människor kan vara.
Ayalis i rörelse. Foto av Jaqlin Medlock.
michele gisoni ålder
En öppningssolo gick in i oväntad kärlek, ett slumpmässigt möte i en park som ledde till dagliga romantiska promenader där. Dansaren rörde sig med intensitet men med en grundstämning som väcker en lugn. Hon rörde sig med oro men också på något sätt en acceptans med den obehaget. Dim gul och en stor spetsig kjol skapade skugga och form som var övertygande men också enkla (ljusdesign av Tony Marques). Linjer som uttrycker de två karaktärernas (en där, en beskriven) avancerad ålder fick ett skratt från publiken - förtjänat så. Det pekade också gripande på förväntningar och konstruktioner kring kärlekshistorier som vi alla har - vem som blir kär, vem lever kär och som ser glamorös ut medan han är kär. En korg med blommor och frukt gjorde det möjligt för solisten att öka sin rörelseintensitet (när hon spridda dem i sin passion) och förstärkte också teman om sötma, överflöd och romantik.
Följande avsnitt hänvisade till sagor, saker som har hjälpt till att bygga dessa kulturella konstverk av kärlek. Tre dansare slängde runt en kvast, och i slutändan svepte en med den - sopade upp resterna av ett tidigare avsnitt (kom ihåg frukten och blommorna). Dessa karaktärer, vi publikmedlemmar skulle kunna anta, var Askungen och hennes två fula styvsystrar. Denna länkning av en sektion till den andra var skicklig övergång, så att jag skulle ha älskat att se att den används mer konsekvent under hela arbetet.
Ayalis i rörelse. Foto av Paul B. Goode.
Därefter kom Snow White (en manlig version av sagokaraktären), omgiven av dansare och föremål i vitt, som ringde Törnrosa i telefon. De två var 'vänner från skolan.' Denna blandning av fantasin och verkliga världar fick mer förtjänade publikskratt. Fångade mitt öga och mitt intresse var hur Snövit låg på mänskliga möbler - dansare i enkla vita dräkter som rullade med honom ovanpå dem och därmed flyttade honom uppför scenen. Begreppsmässigt och estetiskt blev jag fascinerad av den här rörelseföljden som flätades samman med en teatralisk (Snow White fortsatte att prata i telefon medan han slappnade och rullade och publiken skrattade).
Little Red Riding Hood uppträdde också snart och verkade mer olycksbådande än vad vi ofta tänker på karaktären. Ensemblen rensade scenen och en lång, grublande figur i en stor röd kappa gick vidare - långsamt, varje steg med sann vikt. Ljusen dämpades och musiken blev lägre, ackorden mer oroande att matcha. Återföreställningen av denna karaktär, från oskyldig ung tjej till tvinga att kanske fruktas, passar in i verkets övergripande ifrågasättande av kulturella uppfattningar (om kärlek och mer).
Något i mig ville se att dessa karaktärer och sagaanslutningar fördes in i ytterligare delar av arbetet, det kunde ha förstärkt den betydelse de hade att ge och etablerat dem som nyckelpersoner i sig - i vars triumfer och svårigheter vi publikmedlemmar kunde ha komma att känna sig investerade. Istället fanns det ytterligare rörelseavdelningar i det jag skulle se när Takahashis rörelseidiom släpptes, jordat och mycket gemensamt initierat, men atletiskt och expansivt samtidigt. I solon, små grupper eller större ensemblersektioner drog denna rörelse både min hjärna och ande in.
Ayalis i rörelse. Foto av Beccavision.
En sektion nära slutet fick Takahashi själv att hälsa på oss. Hon presenterade sig som koreograf och regissör för företaget och delade att hon kände sig 'så älskad!' av publikdeltagandet den kvällen. Hon återvände den här kärleken från publiken genom att komma upp i huset och kasta ut godis i mängden - förklara att godis alltid var en behandling hon trots alla förändringar hon upplevde genom sin barndom och alla de olika 'reglerna' kunde njuta av. Takahashi delade också en nästan kol-kopia av berättelsen i början av arbetet, om att bli kär i en man i en park och ta promenader dit med honom varje dag - men då säger han adjö för att aldrig kontakta henne igen. Med den person som berättelsen verkligen hände precis framför oss fick den en ny vikt.
Ytterligare sektioner med atletisk ensemblerörelse gav kontrast till denna teatraliska, mycket personliga delning från Takahashi. Tillbaka till något mer personligt och intimt, dansare lämnade en efter en. Man gav en annan en nalle innan han lämnade och lämnade en person på scenen. Innan dess hade en eko, ensam klingande 'Frère Jacques' spelat. Allt kom tillbaka till ensamhet och andra strider inom barndomen, som kan resonera genom livstid.
Ändå slutade inte arbetet på allvar på ett så ensamt ställe att en hyllning tog rollerna tillbaka för att dansa tillsammans glatt och livfullt, till en optimistisk poplåt. Det påminde oss om att även i tider av kamp och sorg eller till och med ihållande kamp och sorg kan glädje ibland vara precis runt hörnet. Sådana nyanserade verkligheter passar inte alltid snyggt in i våra kulturella berättelser. Ayalis in Motion's Pythagoreiska ärtor unikt och kogent skenade ett ljus på dessa berättelser och deras effekt på oss - på sätt som fick mig att tänka, skratta och känna mig varm. Vilken gåva!
Av Kathryn Boland från Dance informerar.
Rekommenderat för dig
